Este artículo es cortesía del colaborador invitado, Todd Feldman de Instrumentos musicales RS Berkeley.
El artista de Posi-Tone Records, Travis Sullivan, se ha ganado una reputación mundial como saxofonista alto, pianista, compositor y arreglista. Ha sido aclamado por Jazz Times como «… un talentoso saxofonista alto e improvisador que también ha desarrollado una voz fuerte y autoritaria como compositor».
En 2002, su avance llegó en forma de Bjorkestra de Travis Sullivanuna big band de 18 integrantes que interpreta sus arreglos de la renombrada música de la diosa del pop islandés Bjork, y en 2008 lanzó Bjorkestra de Travis Sullivan: ¡Disfrútalo! en Koch Records. En 1999, se autoeditó Proyecto uno de Travis Sullivan: mientras hablamos contó con un cuarteto que incluía al guitarrista Rez Abbasi y al baterista Ari Honig. En mayo de 2011, Sullivan lanzó su CD Nuevas direccionessu tercer disco como líder y su debut en Posi-Tone Records.
Sullivan se ha presentado en los Estados Unidos en lugares como Blue Note, Iridium, Jazz Standard, Joe’s Pub, y el Festival de Jazz de San Francisco. También ha aparecido internacionalmente en El Festival de Jazz de MontrealThe Jarasum Jazz Festival (Corea del Sur), y como director de la Orquesta de Jazz Contemporáneo de Colonia (Alemania), la Orquesta de Jazz de Sicilia (Italia) y la Reykjavik Big Band (Islandia).
Su último álbum, titulado Nuevas direcciones presenta ocho de sus composiciones originales de jazz moderno, así como «Spring is Here» de Rodgers & Hart y su arreglo del clásico de Tears for Fears «Everybody Wants to Rule the World».
La entrevista
Travis, te has ganado una reputación mundial como saxofonista alto, pianista, compositor y arreglista. ¿En qué momento un músico comienza a aprender otro oficio, como componer y arreglar? Al componer y hacer arreglos, ¿qué tipo de papel tiene su experiencia en tocar el saxofón al producir sus composiciones y arreglos?
Creo que puedes empezar a arreglar y componer a cualquier edad. Mozart comenzó a hacerlo cuando tenía más o menos tres años, entonces, ¿por qué no? Cuanto antes mejor.
Creo mis composiciones y arreglos casi en su totalidad al piano, y mi conocimiento del saxofón es muy útil cuando hago arreglos para saxos, porque me siento cómodo con los rangos y las transposiciones, además de poder imaginar mejor cómo va una línea. sentir y sonar como cuando se toca. Tocar un instrumento de viento también ayuda a visualizar la dinámica y la articulación de los instrumentos de viento de metal y madera, y sirve como recordatorio de que al escribir líneas melódicas no se pueden escribir 16 compases de notas sin permitir que el músico tome un respiro.
¿A qué edad comenzaste a tocar el saxofón y cómo te preparó tu educación para convertirte en un músico profesional? ¿Qué le dirías a un joven músico que aspira a convertirse en profesional en términos de formación, práctica y participación en diferentes bandas/orquestas/grupos, etc.?
Empecé a tocar el saxofón cuando tenía diez años. Aunque me gustaba tocar un instrumento musical, realmente no lo consideré una opción profesional hasta que cumplí un par de años de mis estudios universitarios en bioquímica en la Universidad de New Hampshire. Hasta ese momento estaba tomando clases particulares con excelentes maestros, y ellos, junto con mis padres, me ayudaron a cultivar la disciplina y la pasión por la música necesaria para ser un profesional, pero no fue hasta que estaba en la universidad que comencé. estar rodeado de mucha gente de mi edad que se tomaba en serio la música y la consideraban una carrera. En última instancia, mi educación fue ad hoc en muchos sentidos hasta que decidí mudarme a Nueva York para obtener mi maestría en la Escuela de Música de Manhattan, y luego me presentaron mucho material en un salón de clases. Dicho todo esto, creo que hay mucho que puedes aprender sobre ser un músico profesional a partir del estudio y la práctica de la música: hay una capa completamente diferente de experiencia que solo puede provenir de hacerlo, y muchas de las lecciones importantes que he aprendido provienen de estar en bandas, tocar en conciertos e interactuar con mis colegas y amigos.
Mi consejo para los jóvenes músicos que aspiran a convertirse en profesionales es que practiquen con regularidad y sabiduría, y que tengan un maestro/mentor al que respeten y puedan aprender sobre todos los aspectos de lo que significa ser un músico que va más allá del estudio del instrumento. Además, ¡explora explora explora! Echa un vistazo a tantos estilos diferentes de música como puedas. Toca en grupos de rock, conjuntos de jazz, big bands, bandas de matrimonio, orquestas clásicas. El cielo es el límite y es muy importante mantener la mente y los oídos abiertos.
Veo que ofrece a los estudiantes la posibilidad de estudiar con usted en su sitio web, travissullivan.com. En tu opinión, ¿cuáles dirías que son los problemas más comunes que encuentras al enseñar saxofón a otros? Como estudiante, ¿qué fue lo más difícil que encontró con el saxofón y cómo superó el problema?
Hacer que los estudiantes desarrollen un concepto sólido de producción de sonido en el saxofón es algo que he encontrado como el problema más desafiante que he encontrado como profesor y en mis propios estudios. Esto se debe a que hay tantos factores físicos que están en juego en términos de embocadura, garganta y respiración. Esto se hace aún más difícil porque la mayoría de los estudiantes, cuando recién comienzan, comprensiblemente, no saben realmente cómo quieren sonar en el instrumento (o tal vez incluso si tienen una opción).
Luché con esto hasta que comencé a estudiar con Dick Oatts en la Escuela de Música de Manhattan. Es un saxofonista y profesor increíble y durante los primeros 4 meses de trabajar con él, en lo único que nos concentramos fue en la embocadura adecuada y la producción de sonido. Realmente requirió este trabajo intensivo y enfocado para superar el problema del desarrollo de este concepto.
Como educador, ¿cómo guía a sus alumnos en la selección del instrumento adecuado? ¿Qué atributos busca en un saxofón y cuál es la mejor manera de determinar si está tocando la marca/instrumento correcto?
Siempre sugiero a mis alumnos que obtengan el instrumento de la más alta calidad que puedan pagar. Creo que el término saxofón «profesional» es un poco engañoso, porque dado que esos instrumentos son generalmente de mayor calidad, se deduce que en realidad serán más fáciles de tocar y de obtener un buen sonido. Por supuesto, el presupuesto debe ser una consideración, especialmente para un padre que no está seguro de si su hijo querrá o no tomar lecciones por más de unos pocos meses. Para los estudiantes más avanzados que buscan comprar una trompa nueva, les digo que escuchen el tono y la sensación general del instrumento, y que prueben muchos saxofones hasta que encuentren el adecuado. Además, es muy importante traer a tu maestro, padre o amigo cuando estés probando instrumentos, porque siempre es bueno obtener la opinión de otra persona sobre cómo suenas.
¿Qué tan difícil es encontrar la configuración correcta y con qué frecuencia un estudiante debe cambiar su configuración? ¿Qué tan importante es y por qué un músico cambiaría su configuración para tocar diferentes géneros musicales?
Se necesita mucha experimentación para encontrar la configuración correcta, y creo que la frecuencia con la que un estudiante debe cambiar su configuración es una elección personal. Como profesor, definitivamente recomendaré a un estudiante que cambie su configuración si escucho que los está frenando en cuanto al sonido, y eso podría significar que es demasiado fácil para ellos (la boquilla está demasiado cerrada y / o la caña es demasiado blanda) o demasiado dura para ellos (la boquilla está demasiado abierta y/o la caña es demasiado dura). Dicho esto, para los principiantes, no creo que sea una buena idea cambiar la configuración de uno con demasiada frecuencia, porque en ese momento el estudiante probablemente no tenga un concepto sólido de producción de sonido para empezar, y cambiar la configuración puede complicar las cuestiones del desarrollo de la embocadura. Una vez que un estudiante alcanza un nivel intermedio de estudio, este puede ser un mejor momento para experimentar, incluso si está satisfecho con lo que ya tiene. Puede que haya algo por ahí que sea mejor para ellos. Por supuesto, algunos jugadores se vuelven adictos a este tipo de experimentación. No soy uno de ellos personalmente, pero veo el atractivo.
Sin duda, ha trabajado en algunos proyectos muy exitosos, sobre todo cuando su avance se produjo en la forma de Bjorkestra de Travis Sullivan, una gran banda de 18 integrantes que interpretó sus arreglos de la renombrada música de la diosa del pop islandés Bjork. Como músico en activo, ¿cómo ¿Te decides a emprender un proyecto de esta envergadura? ¿Qué te hizo decidir reorganizar la música de Bjork frente a otras?
Al comienzo de trabajar en este proyecto, no pensé que iba a convertirse en la gran empresa en la que se convirtió. Escuché mucha música de Bjork a fines de los 90 y principios de los 2000 y pensé que su música era un terreno fértil para la improvisación y la escritura de grandes conjuntos: sus melodías, armonías y ritmos son hermosos, y hay muchas contramelodías y capas de sonido para orquestar. La conclusión es que amaba su música y quería explorarla profundamente.
También quería aprender más sobre cómo escribir para big band en ese momento. Cuando completé el primer arreglo, «Hyperballad», decidí escribir otro, y en algún momento durante la escritura del segundo arreglo, tuve la idea de escribir un «ciclo de canciones» completo para big band y voces, con la música de Bjork como núcleo. la obra. Sucedió todo de manera muy orgánica, y no tuvo nada que ver con tomar una decisión de un artista u otro, solo se trataba de la escritura y la exploración en ese momento. De hecho, tenía unos cuatro o cinco arreglos escritos antes de tener la idea de llamar a la banda The Bjorkestra.
Este proyecto ha tenido el tipo de éxito creativo y profesional que todavía no he descubierto cómo duplicar con mis otros proyectos, pero estoy seguro de que tiene algo que ver con tener absolutamente cero expectativas sobre el resultado y estar 110% comprometido. en proceso de creación.
¿En qué momento debería/empezaría un saxofonista a incorporar tocar otros tipos de saxofones (tenor/barítono/soprano/sopranino)? ¿Por qué crees que el saxofón alto es la opción preferida para los músicos novatos frente a algo más pequeño como un soprano?
Una vez que un saxofonista ha desarrollado una competencia básica y una embocadura sólida en su instrumento inicial, está bien incorporar otros tipos de saxofones. Empecé con el saxofón alto, y en la escuela secundaria terminé tocando el saxofón barítono en una banda de concierto y ¡me encantó! No está de más que un joven estudiante esté expuesto a asumir diferentes roles en entornos de conjunto.
Creo que el saxofón alto (ya veces el tenor) es la opción preferida sobre el soprano debido a la embocadura, la entonación y la orquestación de la banda de concierto. Tocar en el registro alto en soprano es realmente difícil para un principiante, además de desarrollar una embocadura sólida pero relajada. Como consecuencia, es raro que veas partes de saxo soprano escritas para bandas de conciertos de estudiantes, que ya tienen un problema de equilibrio cuando tienes ocho saxofonistas contralto frente a las flautas y clarinetes generalmente más silenciosos. Con todo, el saxofón alto es el camino de menor resistencia tanto para los educadores musicales como para los jóvenes principiantes.
Para obtener más información sobre Travis, diríjase a www.TravisSullivan.com.
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