Teoría del Jazz: Historia de la Armonía del Jazz

Armonía y Teoría del Jazz

Los estudiosos de la música ven el jazz como un estilo de la música artística occidental (léase música clásica; clásica, sin embargo, es realmente el estilo de un período determinado). Toda la armonía del jazz proviene de esa tradición, mientras que los ritmos provienen de África. La gran mayoría del repertorio de jazz emplea progresiones y formas armónicas europeas. Lo que es único en el jazz es el matrimonio de estas características europeas con el ritmo africano y un estilo afroamericano único de inflexiones, articulaciones y vibratos. La única colección de tonos utilizada en el jazz que es exclusiva de la música culta occidental es la escala de blues (en C sería la siguiente: C, D#, F, F#, G, Bb, C), que es el resultado de la fusión de afroamericanos de ligaduras y tonos deslizantes (una característica también de la música africana) en el sistema tonal europeo mayor/menor temperado.

Dado que el jazz se ha caracterizado tradicionalmente por la fusión de las características sobresalientes de las dos culturas, y la armonía proviene de Europa, es engañoso describir cualquier cosa como teoría del jazz o armonía del jazz. Incluso el blues de 12 compases se compone de una progresión tonal de acordes europeos (I, IV y V, sin embargo, puede estar vestido con otras armonías europeas. Llámalo como quieras, sigue siendo toda armonía europea.

Los textos de jazz simplemente codifican lo que los compositores de jazz eligen usar estilísticamente de la paleta europea completa, y lamentablemente mucho se ha dejado de lado, o más bien aún no se ha asimilado, como la mayoría de la música del siglo XX.

Por lo tanto, es mejor ir a la fuente, que es a los textos de armonía clásica. El compositor y teórico francés Jean-Philippe Rameau publicó el primer texto definitivo sobre la armonía en 1722. Los libros, por cierto, sólo te prepararán para el verdadero negocio del análisis de partituras, que es donde encontrarás la verdadera información pertinente: en la práctica, donde es más revelador.

Como se indicó anteriormente, la escala de blues es la única colección de tonos exclusiva de Western Art Music. Si bien es cierto, por ejemplo, que la séptima menor añadida al acorde de tónica en un blues de 12 compases constituye una inclusión armónica de una nota de blue, no cambia la función de ese acorde en la progresión, ni cambia el hecho que es una progresión europea. Si bien el jazz es único de la música europea debido a su uso del ritmo africano, el ritmo no altera el comportamiento de las progresiones.

En el siglo XX, muchos compositores europeos comenzaron a escribir sucesiones de acordes que no necesariamente tenían una tonalidad principal (atonalidad), pero esto no se ha incorporado mucho al estilo de jazz todavía. Desafortunadamente, los músicos de jazz y sus audiencias están atascados en viejas prácticas y formas armónicas europeas. De hecho, la mayoría ni siquiera ha digerido completamente la música de los compositores impresionistas franceses Claude Debussy y Maurice Ravel.

Es útil comprender un poco la historia de la música para comprender mejor los diversos estilos que surgieron. En pocas palabras, dice así: en Occidente, la música era modal hasta finales del siglo XVI, momento en el que la música se volvió tonal (basada en progresiones de acordes destinadas a culminar en una cadencia al acorde tónico). El sistema tonal prevaleció hasta el siglo XX, cuando gran parte de la música tendía hacia el atonalismo (sin clave principal). En el atonalismo, los acordes se organizan en sucesiones que no tienen funcionalidad en un sentido tonal, sino que se utilizan únicamente por su color e interés. El jazz, sin embargo, sigue arraigado básicamente en las prácticas armónicas de los períodos clásico y romántico (armonía de los siglos XVIII y XIX).

El popular libro de Mark Levine, Jazz Theory, es un buen ejemplo de la limitada comprensión de la historia de la música que tienen los pedagogos del jazz. Básicamente, ejecuta el sistema Berklee College de aplicar escalas de acordes y modos a las progresiones de acordes. Esto hace necesario teorizar para llegar a cuál de estas escalas (arbitrarias en el mejor de los casos) se debe aplicar. De esta manera, los nombres modales griegos se aplican a un sistema de acordes tonales que de ninguna manera es modal. De hecho, los compositores europeos, a quienes emulan los músicos de jazz, no emplearon modos en la música tonal: utilizaron tonos no armónicos para impulsar sus líneas hacia adelante.

Este es, espero, un dato interesante de la historia: hace unos años, mientras escribía mi tesis doctoral, entrevisté a Jerry Coker, quien fue uno de los primeros en ocupar un puesto de tiempo completo como profesor de Jazz en un colegio o universidad. . Me admitió que usó este sistema modal, con sus nombres griegos, para impresionar a los administradores clásicos que dominaban el departamento de música, para que pudieran tomar en serio la educación del jazz. (Han estado en las universidades durante más de 100 años, mientras que la educación en jazz solo se admitía a regañadientes hace menos de 50 años).

Coker explicó que si hubiera enseñado un enfoque tradicional más directo y de sentido común para esta forma de arte extemporánea, se les habría pasado por alto. No les gustamos. La única razón por la que existe el jazz en la educación superior es por la inscripción: los estudiantes exigen cursos de jazz.

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