Reseña del álbum The West Coast Jazz Box @ All About Jazz

Al principio fue difícil hacerse notar. Los artículos sobre el octeto de Dave Brubeck se enviaron a revistas de jazz en 1948, pero ninguno se imprimió; se necesitaron las palabras de un crítico de Nueva York para llamar la atención. En 1951, un grupo de músicos de Stan Kenton decidieron emprender su propio camino mientras vivían en Los Ángeles («Nos reuníamos después de estos conciertos ocasionales… y comparábamos notas sobre lo horrible que era y las cosas que teníamos que tocar… .») Luego, lo inesperado: el disc jockey Gene Norman grabó a Shorty Rogers y sus Giants, arrendó los costados a Capitol y los reprodujo sin cesar en su programa. Esto llevó a un nuevo sello, Pacific Jazz, a grabar el cuarteto de Gerry Mulligan, que presentó a Chet Baker al mundo. Este disco puso a Pacific Jazz en el mapa, otros sellos comenzaron, y muchos músicos hambrientos tuvieron su oportunidad.

El sonido que crearon, aunque difícil de explicar, tenía un sabor propio. A menudo era un sonido arreglado, ya que muchos de los músicos (Bill Holman, Marty Paich, Jimmy Giuffre) habían creado listas para grandes bandas. Podría ser amplio y luminoso, con instrumentos inusuales: el primer oboe de jazz y muchos grandes flautistas vinieron del oeste. Y aunque a menudo se estereotipaba como «genial» o «relajada», la escena también generó muchos músicos apasionados como Art Pepper y Harold Land. No es un estilo fácil de definir, pero este conjunto hace un trabajo admirable, utilizando cortes de muchas etiquetas para mostrar a los jugadores y la evolución de lo que llamamos «West Coast Jazz». Basado en este cuadro, el estilo merece una mirada más cercana. ; sin duda una escucha más atenta.

Como muchas cajas de Fantasía, esta se ejecuta en un orden cronológico aproximado. La primera pista, «Move», data de 1951 y es una muestra embriagadora de la escena de club en Central Avenue, la versión LA de 52nd Street. Esta potente improvisación está protagonizada por Wardell Gray, con solos de Dexter Gordon, Clark Terry y Sonny Criss. Sonny obtiene su propia pista con «Intermission Riff», de un concierto de Billy Eckstine de 1951. Con una banda de estrellas diferente (Lockjaw, Joe Newman, Kenny Clarke), Criss hace estallar una tormenta y hace que la multitud se vuelva frenética.

Unos pocos cortes más tarde, tenemos un tipo diferente de pista en vivo: Dave Brubeck en Oberlin. El majestuoso alto de Paul Desmond, aquí sonando como un clarinete, nos da con nostalgia «Stardust», mientras Brubeck sigue con gruesos acordes pesados. La multitud de la escuela de música lo aprecia, y tú también, ya que comenzamos a escuchar el sonido familiar de la Costa Oeste. También recibimos una pista del exitoso LP de Shorty Rogers y dos fragmentos de Mulligan definitivo: «Bernie’s Tune» y «My Funny Valentine». Los Lighthouse All-Stars (en muchos sentidos, la banda de la casa de este sonido) se escuchan varias veces, incluida una pista en vivo con Miles Davis sentado. La banda es unida, muchos miembros han tocado junto con Stan Kenton. Hasta ahora hemos escuchado swing, bebop y los comienzos de algo más. En el Disco Dos, que cubre los años 1953-56, la nueva voz se fortalece.

Con el nuevo disco nos llegan nuevos instrumentos. Se abre con la guitarra brasileña de Laurindo Almeida; Roy Harte usa escobillas en la conga para obtener un sonido ligero de un instrumento fuerte. Como dicen las notas, esto no es bossa nova, pero la sensación es familiar. El saxofonista de esta pista, Bud Shank, toma su flauta para dos temas suaves, uno con Bob Cooper en el oboe. Este experimento de flauta y oboe se convirtió en una característica habitual del Lighthouse y condujo a su propio álbum. De aquí surge una sucesión de combos inusuales: el excelente quinteto de tres trompetas y sin piano de Lennie Niehaus, el octeto Cy Touff, con la trompeta baja del líder como un trombón, y la primera de dos selecciones de Chico Hamilton. Si un grupo definió el West Coast Sound, es Chico’s: violonchelo que gime y guitarra resonante con Buddy Collette y sus muchos cuernos. El bajo se turna para hacer la reverencia con el violonchelo y tocar con la guitarra. Es suave y malhumorado, experimental y accesible. ¡Tan diferente como suena esto, poner a Chico’s! pista con grupos similares nos da un mensaje: no estaba solo.

Escuchamos a algunos dignatarios visitando la costa: Clifford Brown interpretando «Daahoud» con un septeto candente, Art Tatum con el blues lento y John Lewis con su compañero de MJQ Percy Heath, sonando el clásico «Dos grados este, tres grados oeste». Y el disco se completa con algunos sabrosos tríos de piano, incluido un tema de Andre Previn/Shelly Manne. Mi Bella Dama álbum. Los tríos funcionan entre los combos insólitos: demuestran que los chicos del Oeste también podían hacer jazz convencional, y lo hacen muy bien.

El disco tres, en su mayoría de 1957 y ’58, es similar al último, solo que con un poco de calor. Los primeros temas nos dan la típica Costa Oeste de Jimmy Giuffre y de los Poll Winners (mostrando una gran interacción entre el bajo de Ray Brown y la guitarra de Barney Kessel). Entonces Sonny Rollins viene a LA El trío formado para Camino al oeste (escuchamos el corte del título aquí) es introspectivo, tejiendo fondos sutiles contra los que Rollins sopla con fuerza. Le falta la intensidad de su disco de trío SUITE Libertad, pero en muchos sentidos es un álbum mejor. El alto nivel lo mantiene Benny Carter; su «Walkin’ Thing» se mueve tranquilamente gracias a gigantes como Kessel y Frank Rosolino. Frank también tiene su propio corte, de lo que estaba destinado a ser el primer álbum de hard bop de la costa oeste (¡no se lanzó hasta 1986!) «Love for Sale» es lo más destacado de ese álbum, Rosolino y Harold Land van muy bien. mientras Victor Feldman toca un piano insistente detrás de ellos.

El bop no es mucho más difícil que «Katanga» de Curtis Amy, mejor conocido por el solo de saxo en «Touch Me» de The Doors. Amy toca profundo y es superada por el poco conocido Dupree Bolton, un poderoso en la trompeta. El disco termina con dos hombres que pronto irían al este. Se vuelve a escuchar a Chico Hamilton, esta vez con el reemplazo de Buddy Collette, Eric Dolphy. Su forma de tocar es conservadora para sus estándares, pero muy suave y muy hermosa. Y Ornette Coleman nos muestra «La Esfinge», de su primer y más convencional disco. El piano suena un poco perdido mientras Coleman y Don Cherry siguen su camino alegre. De estos dos escuchas el futuro, y escuchas que Occidente se queda atrás.

El recuadro concluye con 1964, cuando la era prácticamente había terminado. (Ben Webster, después de escuchar su cita en vivo de 1960 en el Renaissance, dijo con lágrimas en los ojos «¿Por qué ya no puedo tocar con tipos así?») Este disco podría ser el más variado, dándonos tríos (Elmo Hope, Phineas Newborn, el gran éxito de Vince Guaraldi «Cast Your Fate to the Wind»), hard bop («The Fox» de Harold Land, «Together Again» de Teddy Edwards), big bands (Gerald Wilson, Terry Gibbs, Art Pepper + Eleven), y un blues modal («Something Blue» de Paul Horn, varios años antes de su En el interior álbumes). En un toque limpio, la caja termina con el comienzo de otra gran carrera, «For Django» de Joe Pass. El jazz en LA continuaría, y con muchos de los jugadores escuchados aquí. Pero el sentido de una «escuela» diferente se había acabado.

Cinco horas después, ha atravesado un mundo de música, probado docenas de grandes talentos (la mayoría se escuchó en al menos dos cortes) y sintió muchos cambios de humor. Las notas dicen: «Aquellos de nosotros lo suficientemente privilegiados como para haber vivido esa era … tendemos a sonreír ampliamente cada vez que los comentarios de alguien o un fragmento de música evocan esa escena». Después de escuchar esto, usted ve por qué.