Reflexiones de un saxofonista…: MRBC 1987

En algún momento de 1985, dos años después de mi mandato en la ciudad de Nueva York haciendo cualquier tipo de trabajo musical para irrumpir en la escena, recibí una llamada para mi primera fecha de grabación. Esto fue un poco casualidad. Mi novia de entonces, una violonchelista que hacía conciertos de música clásica en la ciudad, estaba trabajando con un bajista llamado James Bergman que formaba parte de una especie de grupo de “música nueva”. Estaban buscando un saxofonista para tocar en su nuevo proyecto de grabación y ella me recomendó. Por supuesto, necesitaban escucharme tocar y enviaron algo de música antes de una primera reunión con el compositor, Mikel Rouse. Al ver las piezas me llamó la atención su sencillez. Toqué algunas secciones y lo guardé sin terminar, pensando que lo acababa de leer en la audición.

En este momento, no recuerdo mucho sobre esa primera reunión, excepto que Mikel Rouse parecía un compositor serio, vistiendo una camisa blanca impecablemente limpia y perfectamente planchada, sentado en una mesa, lápiz detrás de la oreja, un gran conjunto de partituras frente a él y sin sonreír. Tenía más o menos mi edad, pero conocía a muy pocas personas de nuestra generación que se presentaran de esa manera. No estaba seguro de qué pensar, pero estaba intrigado y sabía lo suficiente como para simplemente tratar de ser profesional. Habiendo experimentado ya parte del cinismo histórico del negocio de la música en la forma de contratistas de la vieja escuela y músicos hastiados, esto fue refrescante. Además, la música parecía no presentar desafíos reales, así que no estaba nervioso. Probablemente debería haberlo sido.

Empezamos a tocar ya los pocos compases estaba completamente perdido.
La simple línea musical que estaba viendo en la página representaba solo uno de los muchos patrones rítmicos independientes que se desarrollaban a través de una larga serie de permutaciones que se resolvían con las otras partes en momentos seleccionados antes de continuar de nuevo en una corriente constante e implacable de movimiento entrelazado. Me estaba aferrando a mi vida, pero afortunadamente la concentración requerida no me permitió el lujo de preocuparme por eso. Mikel fue paciente pero constante y se me ocurrió que esta situación era casi de esperar. Supongo que debo haberlo hecho bien y me ofrecieron el trabajo.

El Mikel Rouse Broken Concert parecía más una banda de jazz en su instrumentación y algo así como una banda de rock en su concepción; teclado, saxofón soprano, bajo eléctrico y batería. Y, sin embargo, la música estaba completamente anotada, sin improvisación alguna. Además de esta situación un tanto desconcertante, en realidad no había baterista, ya que la partitura se compuso completamente para caja de ritmos. Eso parecía bastante atrevido en ese momento, pero Mikel me dijo que en realidad había hecho un LP completo solo para cajas de ritmos llamado «Quorum». No podía imaginar cómo habría sonado eso y no estaba seguro de que me hubiera gustado, pero al mismo tiempo, dado que todo esto era nuevo para mí, respetaba el hecho de que realmente lo hiciera.

La sesión de grabación resultó ser una sesión de sobregrabación en la que todo ya estaba grabado excepto la parte del saxofón. Esto tuvo lugar en BC Studios en la sección Gowanus de Brooklyn, dirigido por Martin Bisi, quien lo estableció con Bill Laswell y Brian Eno. Una cosa buena de este enfoque fue que brindó la oportunidad de grabar la música en secciones, lo cual fue un alivio porque requería resistencia y ofrecía pocos lugares para respirar. Trabajamos poco a poco de esta manera y en unas pocas horas la sesión estaba lista. Fue estimulante, pero todavía no sabía muy bien qué pensar sobre todo el asunto.

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Pasarían unos dos años antes de que la grabación finalmente se lanzara en Cuneiform Records, una nueva compañía en ese momento que desde entonces ha desarrollado un extenso catálogo de todo tipo de música nueva y aventurera. En el tiempo previo a esto, Mikel quería hacer algún trabajo en vivo con el conjunto. Pero en lugar de usar la caja de ritmos, Mikel decidió buscar a alguien que pudiera tocar las partes de la caja de ritmos en un kit de batería completo, lo cual no es poca cosa. La música de Mikel está construida de tal manera que el teclado desempeña el papel de cronometrador, lo que permite que la parte de batería tenga un rango más libre. En el proceso, la parte de la batería se volvió mucho menos idiomática de lo que los bateristas reales encuentran natural para tocar. No sé cómo lo hizo, pero la persona que encontró, Bill Tesar, terminó haciendo un trabajo increíble. Bill también dirigía una empresa de alquiler de instrumentos musicales en la ciudad que tenía un estudio de grabación donde a veces ensayábamos. Recuerdo una tarde en la que el guitarrista Bill Frisell y el baterista Joey Baron vinieron a ver el estudio. No pudimos saludarlos, pero pude verlos en la cabina de control mientras ensayábamos. Cuando me uní al trío de Joey «Baron Down» algunos años más tarde, me dijo que ver ese ensayo se quedó grabado en su mente porque era muy diferente a lo que hacían los demás. Eso fue fortuito ya que la mayoría de mis amigos músicos odiaban la música o, en el mejor de los casos, estaban perplejos. Había invitado a un par de mis amigos bateristas a asistir a uno de nuestros conciertos en vivo pensando que estarían impresionados de que Bill lograra descubrir cómo tocar las partes de batería de Mikel. Si bien parecían vagamente impresionados, eran más como, «pero, ¿por qué?» Para ser honesto, a menudo yo mismo era ambivalente. Durante las actuaciones siempre me sumergí por completo en la música y la encontré muy convincente. Después, al pensar en ello, no siempre estaba tan seguro. Básicamente, cada pieza comenzó sin previo aviso, manteniendo un pulso constante y dinámico en todo momento y luego se detuvo tan repentinamente como había comenzado. Recuerdo haberle mencionado a Jim Bergman el hecho de que la música no parecía ir a ninguna parte. Dijo que otros también habían hecho críticas, pero que no parecía perturbado en absoluto. El hecho es que ese nunca fue el punto. Desde el punto de vista compositivo, se puso en marcha un proceso que simplemente se desarrollaba y, si te sumergías en él, podrías comenzar a experimentar sus maquinaciones internas como algo más expansivo. No hay necesidad de introducciones o finales, pero no pude pensar en otros ejemplos de música que operaran de esa manera.

En ese momento, la música de Mikel se comparaba tenuemente con el minimalismo. Compositores como Philip Glass y Steve Reich habían estado escribiendo música rítmica basada en la repetición y esto ciertamente no estaba relacionado. Pero probablemente había más diferencias que similitudes, de modo que El escritor musical Kyle Gann comenzó a referirse a él como totalismo. por ser más ecléctico y tener menos preocupación por la consistencia estilística. Había otros compositores bajo este paraguas, pero a mi oído, todos sonaban bastante diferentes entre sí en su enfoque. Y al escucharla hoy, la música de Mikel sigue siendo única. Puedes escuchar eso en la grabación que hicimos titulada “A Lincoln Portrait”, el título inspirado en una serie de pinturas alegóricas del artista Tim Steele que hablaban de la sensibilidad artística y política de Mikel. En cuanto a las presentaciones en vivo, hubo un puñado en la ciudad de Nueva York en lugares como el Museo Alternativo, la Ruleta y el Taller de Teatro de Danza, así como un concierto de transmisión de radio para WNYC llamado Americathon y una aparición en el Transonic New Music Festival en Filadelfia, todos distribuidos en un período de aproximadamente un año. En cierto punto, Mikel decidió llevar al grupo en una dirección más eléctrica y comenzó a usar la guitarra en lugar del saxofón por razones que tienen sentido, una de ellas es que los guitarristas no necesitan respirar para tocar. Bueno, todos necesitamos respirar para hacer cualquier cosa, pero entiendes el punto.

Desde entonces, Mikel y yo seguimos en contacto. Ambos vivimos en el centro de la ciudad y ocasionalmente nos encontramos en la calle, nos mantenemos informados y asistimos a los conciertos de los demás a lo largo de los años. Empecé a expresarle a Mikel cómo había aumentado mi aprecio por su música desde aquellos primeros días un tanto inciertos. En ese entonces, ensayábamos regularmente durante muchas semanas antes de un concierto, ya que tomaba tiempo aprender la música e incluso más tiempo para que encajara. Recuerdo bien la primera vez que sucedió, de alguna manera todo hizo clic y experimenté lo que solo puedo llamar el ritmo de larga duración en su música. Esos puntos de resolución que se extendían a lo largo de grandes distancias comenzaron a conectarse y hablarse entre sí y todo se me ocurrió de una manera visceral. Esta conciencia de forma más larga dentro de una música de una independencia rítmica tan elevada demostró tener un efecto poderoso en el ámbito de la improvisación libre, que estaba tomando en serio en esa misma época. Esto fue inesperado dado que estos mundos musicales no podrían haber parecido más distantes entre sí. He tenido algunas experiencias musicales a lo largo de los años que realmente cambiaron mi cabeza, siendo el grupo de Joey Baron “Baron Down” una de ellas. The Broken Consort fue sin duda otro, pero me tomó algunos años darme cuenta.

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Recuerdo todo esto porque Mikel ha estado trabajando en sus archivos últimamente y acaba de publicar uno de nuestros conciertos en vivo en su página de Band Camp. Si te gusta el juego, te invito a escuchar el MRBC en vivo en Taller de Teatro Danza de 1987 aunque podrías empezar con la grabación en estudio “Un Lincoln Retrato» para algún contexto. Además, hay una actuación de radio en vivo y una entrevista para New Sounds con John Schaefer en WNYC, también de 1987, archivada en sitio web de juan. Debo señalar que Mikel fue uno de los primeros músicos con los que trabajé que me impresionó por ser tan elocuente cuando hablaba de música, otra cosa en la que me he inspirado.

En retrospectiva, sigue siendo una pregunta si esta encarnación particular del grupo logró plenamente sus objetivos o potencial. Al volver a escuchar puedo sentir algunas de las luchas que tuve, aunque esas luchas disminuyen en comparación con el hecho de que mi experiencia general en el grupo fue completamente positiva. La dedicación y maestría musical que Mikel, Jim y Bill aportaron al proyecto me ayudaron a convertirme en un mejor músico. Desde este punto de vista, parece claro que el efecto de esta música viajó mucho más allá del grupo y su marco de tiempo, aunque fue de corta duración, contribuyendo a esa escena y también informando el trabajo que cada uno ha hecho desde entonces. Y por eso estoy agradecido por la experiencia.

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