Perfil de Saxman Paul Jones, que incluye prácticas, grabaciones caseras y consejos sobre el negocio de la música » Best. Saxofón. Sitio web. Alguna vez.

Perfil de Saxman Paul Jones que incluye practicas grabaciones caseras

Introducción

Como fanático del cuarteto de saxofones SNAP, hasta ahora he tenido la suerte de hablar con tres miembros del grupo (Sam Dillon, Andrew Gould y Nick Biello). En esta entrevista cierro el círculo hablando con Paul Jones, el miembro restante del cuarteto con quien, hasta ahora, no había tenido oportunidad de hablar.

He visto otros videos de Paul tocando en YouTube, y fue lo suficientemente amable como para reunirse conmigo y compartir cómo eligió el saxofón, su viaje estudiando música y en qué proyectos está trabajando hoy.

Para aquellos de ustedes que no conocen a Paul Jones, aquí hay una breve biografía para que se pongan al día.

Breve biografía

  • Paul creció en la costa este de Maryland y Durham, NH, donde se sintió atraído por el saxofón a una edad temprana. Otros tres miembros de su familia habían tocado el saxofón antes que él, pero ninguno mostró el mismo interés por tocar que Paul.
  • Durante este tiempo, Paul asistió al campamento de verano de jazz de la Universidad de Maine Farmington, donde aumentó aún más su conocimiento de la música bajo la guía de músicos como Ethan Iverson, Reid Anderson, Tony Malaby, Bill McHenry y Donny McCaslin.
  • Después de la escuela secundaria, la música resultó ser lo único en lo que Paul estaba realmente interesado, lo que lo llevó a mudarse a Keene, New Hampshire, donde estudió con su primer mentor real, Scott Mullett. Fue en Keene State y bajo la tutela de Mullett que Jones descubrió las posibilidades de una carrera en la música.
  • Al estudiar a sus artistas favoritos, Jones encontró menciones de dos escuelas que se repiten una y otra vez: Berklee College of Music y Manhattan School of Music. Paul prosiguió sus estudios a través de ambas instituciones, primero en Boston para obtener una licenciatura en Berklee y luego se instaló en la ciudad de Nueva York para obtener su maestría en MSM.
  • Mientras estuvo en Berklee y MSM, Paul aprendió de maestros como Charlie Banacos, Hal Crook, Gary Dial, George Garzone, Tony Malaby, Phil Markowitz, Donny McCaslin y Steve Wilson.
  • La permanencia de Paul en Boston también proporcionó a Jones su primera experiencia de gira como parte de la sección de metales de la banda profundamente funky del cantante de soul Eli «Paperboy» Reed, The Trueloves. Jones también grabó con Sebastian Kole para Motown Records y Ryan Leslie para Universal Records.
  • Jones lanzó su álbum Limpio en 2017, que combinó un sexteto de jazz con un octeto de viento y un dúo de cámara, The Righteous Girls
  • Este álbum se construyó alrededor de la banda central de Jones, un grupo de artistas distintivos que son todos líderes y compositores por derecho propio: el saxofonista alto Alex LoRe, el guitarrista Matt Davis, el pianista Glenn Zaleski, el bajista Johannes Felscher y el baterista Jimmy Macbride.
  • Después de la gira, Jones dejó el camino para mudarse a la ciudad de Nueva York, pero si los desafíos de adaptarse a la vida en esa agitada metrópolis no fueran lo suficientemente desalentadores, a Jones también se le diagnosticó diabetes tipo 1 ese año. La condición está bajo control pero sigue siendo, dice Jones, «la primera prioridad en mi vida en todo momento».
  • Desde que llegó a la ciudad de Nueva York, Jones se ha convertido en un miembro clave de una cohorte de jóvenes innovadores en la escena del jazz moderno, tocando regularmente en lugares de moda como Bar Next Door y Cornelia Street Café. El grupo suelto incluye Fotografía aérea de Matt Davis, Vagabond Soul de Nicholas Biello con Clarence Penn, Leon Boykins y Jonathan Parker. También colabora regularmente y ha grabado con Uptown Partydown, Brett Ferguson, Tory Hanna, The Jack Moves, Adam Lasher y St. Lucia.
  • Como maestro, Jones transmite su pasión por el aprendizaje a sus alumnos mediante el uso de la música como una herramienta para ayudarlos a crecer como individuos. Paul ha enseñado de forma privada en CenterStage, Harrison School of Music, Needham Music, PS-290 y Rye Arts Center. Durante el verano ha impartido cursos de teoría musical, improvisación, historia de la música y conjuntos principales en el campamento Encore Coda en Suecia, Maine. A nivel internacional, Jones ha impartido clases magistrales en el Instituto de Música Contemporánea de Zhuhai, China y en la Escuela de Artes de Gimcheon en Corea.

Entrevista

ZS: ¿Cómo te interesaste en tocar música? ¿Y cómo te decidiste por el saxofón de todos los instrumentos?

PJ: Realmente no sé cómo me metí en esto, pero sé que quería tocar el saxofón alrededor de los cuatro años. Mis padres en realidad trataron de darme lecciones en ese momento, pero todos los educadores dijeron que necesitaba tener diez años hasta que mis manos fueran lo suficientemente grandes. Cuando cumplí diez, yo estaba como «¡es hora del saxofón!» Mi tía terminó prestándome mi primer saxofón y en realidad soy la cuarta o quinta generación de saxofonistas en mi familia, pero ninguno de ellos se dedicó al saxofón profesionalmente, excepto yo. Todavía tengo el saxofón C melody de mi bisabuelo. Tan pronto como conseguí el saxofón, lo armé y traté de obtener un sonido.

Nací en Salisbury, Maryland, en la costa este y luego fui a la escuela secundaria en Durham, New Hampshire y luego pasé los veranos en la granja de mis abuelos en Maine, así que saltaba mucho. Antes de tocar el saxofón, en realidad toqué el piano durante unos dos años cuando tenía entre seis y ocho años y no me gustaba, y luego en cuarto grado obtuve el saxofón. Cuando conseguí el saxofón por primera vez, no practicaba mucho y ocasionalmente tocaba por diversión, pero no me gustaba mucho.

Mis padres me hicieron tomar lecciones en el área y recuerdo que tenía un maestro que era mayor y me asustaba, así que solo estudié con él un poco, pero luego tuve un maestro genial cuando estaba en séptimo grado con el que era divertido pasar el rato y me motivó a jugar. En noveno grado, me mudé a New Hampshire y en la escuela secundaria, aquí fue donde conocí el jazz. Recuerdo que tuve un buen maestro llamado Andy Gallagher durante algunos años en la escuela secundaria y me hizo improvisar. Andy me dio la [Charlie Parker] Omnibook y yo no hicimos un buen trabajo practicándolo en absoluto, y la mayoría de las veces solo tocábamos porque yo no practicaba.

No fue hasta el último año de secundaria cuando comencé a practicar mucho. Tuve la suerte de que mi madre me inscribiera en campamentos de verano y uno en particular en Maine llamado Maine State Jazz Camp. La facultad del Main State Jazz Camp estaba loca. Algunos de los profesores allí en ese momento eran Donnny McCaslin, Bill Mchenry, Tony Malaby, Ethan Iverson, Jeff Williams, Reid Anderson, Pete McCann, Christine Correa, Paul Lichter, y la lista continúa.

Por ejemplo, Bad Plus aún no había lanzado su primer disco que realmente los hizo estallar. Dave King se acercó e hizo un concierto con Reid Anderson y Ethan Iverson antes de que fueran Bad Plus, lo cual fue genial de ver. Años más tarde, cuando trabajaba en Cornelia Street Cafe en Nueva York, Tony Malaby estaba tocando y realmente se acordó de mí y de nuestro rato en el campamento. Fui a ese campamento de jazz dos años seguidos, lo que implicó mucho tocar, pasar el rato y conciertos en vivo que estaban muy por encima de mi cabeza, pero muy divertido.

Durante mi último año de secundaria, no sabía qué quería hacer con mi vida y no me gustaba mucho la escuela, pero siempre supe que el saxofón sería parte de eso. Realmente no tenía dirección en la escuela secundaria y en su mayor parte estaba drogado todo el tiempo, así que no fui a la escuela de música para comenzar. Sucedieron algunas cosas en mi vida personal que me llevaron a drogarme en lugar de concentrarme en la escuela. Mi mamá me envió a la universidad y siempre estoy agradecida por cuidar de mi educación y asegurarse de que tuviera maestros y fuera a la escuela.

Comencé la universidad en Keene State College en New Hampshire, que es una pequeña universidad tradicional y fue el mejor lugar al que podría haber ido para comenzar mi vida. Cuando llegué a Keene, sabía que era inteligente, pero quería descubrir cómo aprender de manera efectiva. Tomé mis cursos de literatura y economía y realmente comencé a estudiarlos, pero estaba en el programa de música como estudiante de música porque me gustaba tocar el saxofón. Recuerdo hacer mi audición y tocar terriblemente Countdown y no podía tocar cambios en absoluto, pero me llevó a la escuela ya que no mucha gente podía improvisar allí; lo que me colocó como el contralto principal en la banda de jazz y el primer contralto en la banda de concierto. Recuerdo practicar suites para violonchelo de Bach ya que mi maestro era un saxofonista clásico y recuerdo estar en la sala de práctica y las luces eran increíblemente brillantes y fue entonces cuando me di cuenta de que no podía mejorar en mi estado mental actual, así que no fume más hierba cuando practiqué y comencé a ir a terapia y comencé a practicar muy en serio.

Durante este tiempo conocí a mi primer mentor real llamado Scott Mullet que era de la zona y fue a Berklee en los años 70 y estaba en la Big Band de Woody Herman. Scott tocaba cada dos martes en la ciudad y todos me decían que necesitaba estudiar con Scott y comencé a estudiar con él. Esto me dejó alucinado por primera vez escuchando realmente jazz y experimentándolo en persona. Estudié en Keene durante dos años y medio y sabía que no me graduaría allí.

En mi segundo año de universidad me metí en un anillo de bodas, tenía mi cuarteto, y yo estaba en una banda de funk, y estaba tocando con bastante regularidad en la ciudad. En el otoño y la primavera de mi segundo año, tenía al menos un concierto a la semana, lo cual era genial, pero cuando mis amigos se graduaban, no tenía a nadie con quien tocar música, lo cual era un verdadero lastre. Hablé con mi mentor y recordé haber visto mis álbumes favoritos y mientras leía todas las notas lineales, noté que todos los jugadores asistían a The New School, NEC, MSM y Berklee, y como quería hacer lo que ellos hicieron, creo que Necesito ir a una de estas escuelas si puedo.

Recuerdo estar realmente intimidado por Nueva York en ese momento y Scott fue a Berklee, así que le pedí que fuera a desayunar y le dije que quería postularme para Berklee, y Scott me dijo que debería hacerlo por completo. Recuerdo haber presentado una solicitud para Berklee, entré, encontré un apartamento y me trasladé de Keene a Berklee a la mitad de mi tercer año de universidad.

Empecé en Berklee en enero de 2004 y volví a empezar la universidad a propósito. Sabía que necesitaba tanto tiempo de práctica como pudiera para ponerme al día y el tiempo de práctica era la razón principal por la que estaba bien porque me llevaría 3,5 años adicionales graduarme de la universidad. Mientras estaba en Berklee, literalmente practicaba música todo el tiempo y comencé a dar algunos conciertos en el área con alianzas de boda. No era tan bueno para estar en la escena como la escena de jazz de Wally’s en Boston.

Cuando asistí a Berklee, Godwin Louis ya era Godwin Louis y ya era increíble y Walter Smith III acababa de graduarse y se podía ver a Christian Scott y Esperanza Spaulding en los pasillos todavía tocando con varios grupos. Estos músicos ultra pesados ​​lo hicieron bastante intimidante, así que no me metí en la escena del jazz. En retrospectiva, al encontrarme con Jason Palmer y otros jugadores, fueron muy amables al tenerme cerca, así que debería haber sido más agresivo y abierto a cometer errores.

Me tomó seis años terminar la licenciatura y sabía que quería tomarme un descanso. Sabía que quería obtener mi maestría e ir a Nueva York, pero quería hacer una gira y descubrir cómo podía hacer que eso sucediera para poder obtener algo de experiencia. A lo largo de la universidad, siempre tocaba donde podía y una de mis ideologías para mejorar era aprender en el escenario de la banda.

Durante mi verano de penúltimo a último año en Berklee, trabajé en un crucero en Alaska y fue toda una experiencia. Mi último año en Berklee, estaba reservando mis propias actuaciones de jazz en un pequeño café y también trabajé en un restaurante como corredor de comida que no disfruté pero gané mucha experiencia.

Eventualmente, algunos amigos dijeron que se irían de gira con esta banda de soul y me pidieron que fuera. Era Eli «Paperboy» Reed & The True Loves, y él acababa de lanzar su segundo álbum, al que le fue bastante bien, así que tenía administración, relaciones públicas y una configuración de reserva, así que salimos a la carretera. Hicimos una gira por los EE. UU., Europa y Canadá y estuvimos de gira durante los siguientes 9 meses. Fue muy divertido, pero apenas gané dinero, lo que lo convirtió en un desafío y, aunque me gustaba tocar líneas de viento, no me satisfacía lo suficiente, así que decidí dejar la banda y mudarme a Nueva York. Antes de ir a Nueva York, volví a la banda de bodas con la que estaba tocando en Boston y conseguí un trabajo temporal en una oficina que me permitió tener más tiempo para practicar.

Cuando me mudé a Nueva York, decidí hacer una audición para la Escuela de Música de Manhattan (MSM). Afortunadamente, tenía tiempo de grabación disponible de la gira, así que cuando fui a hacer mi cinta de audición, la grabé en un estudio completo. Parte de cómo funcionó la audición de MSM fue que requerían material original que tenía desde que dirigía mi propio grupo en esta pequeña cafetería en Boston. Entonces, envié una cinta y obtuve una audición.

No postulé a ninguna otra escuela en ese momento, como City College, Rutgers y William Paterson porque sentí que el programa HSH era muy serio y quería estar en Nueva York. Sentí que MSM no era una extensión de la licenciatura sino un programa completamente diferente y las personas que iba a conocer en MSM iban a ser geniales.

Cuando fui a mi audición, nunca había tocado con una sección rítmica de Nueva York y las diferentes armonías y acordes del pianista y el bajista hicieron que fuera una experiencia realmente agradable. A pesar de que era un jugador de alto en la licenciatura, en realidad hice una audición para tenor después de que me llamaran a principios de ese año para tocar en algunos conciertos de bandas de bodas, pero específicamente en tenor contra alto. Después de la audición, descubrí que entré pero no recibí ningún dinero de la beca a pesar de que recibí puntajes perfectos sin comentarios excepto «excelente» por parte de los jueces.

A pesar de que no obtuve el dinero de la beca, era la escuela de mis sueños, así que tomé préstamos y todavía debo préstamos hoy, lo cual es un problema muy real, pero lo más importante es que creía que lo resolvería; cómo manejar la deuda que he estado haciendo. Durante ese tiempo, me convertí en diabético tipo 1, por lo que el seguro de salud es algo muy real para mí y ser diabético es una de las condiciones de salud más costosas que puedes tener porque es crónica y requiere una gran cantidad de equipo médico. Todavía estoy trabajando en el tema del dinero como músico y trabajando para levantarme y rechazar un concierto si la paga no es la que debería ser y, con el tiempo, en realidad me ha hecho ganar más dinero.

ZS: ¿Cuáles son algunas de las lecciones clave que ha aprendido al crecer tocando el saxofón y que ha transmitido a sus alumnos? ¿Qué te encuentras practicando estos días?

PJ: Aprendí de Scott que tocar música como esta es un estilo de vida y una carrera, por lo que es tu trabajo, pero también abrazar a tu comunidad te abrirá oportunidades y te traerá mucha alegría. Me gusta mucho ir a ver tocar a la gente oa los amigos y disfruto mucho estar con músicos de mi generación. Un gran ejemplo de esto es ¿por qué Donny McCaslin tomaría un concierto de $ 75 dólares para tocar en 55 bares? Es porque le emociona hacer música y tocar con sus amigos.

Estoy trabajando en escalas y siempre las practico en una calidad de acorde o tipo de acorde (escalas mayores o menor melódica) y ahora estoy practicando en una clave (A Major, A Minor, A Minor Major, A Alt 7th, etc.) al día. . Esto me ha ayudado a pensar en los sonidos de la escala de acordes. Practicar cada escala a partir de cada tono de acorde crea algunas formas divertidas. También estoy practicando muchas canciones y tocando el saxofón solo y aprendiendo repertorio. Ha sido muy divertido aprender canciones como «You’d Be So Nice To Come Home To», «Time After Time», «Driftin'» y otros estándares de jazz que son simplemente diferentes.

ZS: ¿Quiénes son algunos de tus saxofonistas favoritos y por qué? ¿Qué has aprendido al escuchar a estos jugadores?

PJ: Algunos de los principales actores para mí son/fueron Coltrane, Sonny Stitt, Dexter Gordon, Jerry Bergonzi, Sonny Rollins, Joe Henderson, John Scofield (un poco), Hank Mobley y Stanley Turrentine (que realmente sabe cómo tocar el blues). Recientemente he estado pasando por una gran fase de Sonny Rollins durante el último año y medio. Un amigo me sentó y me dijo que realmente necesitaba dominar mi lenguaje y me dijo que transcribiera a Sonny Rollins en «Pent Up House», «I’m an Old Cowhand», «Without a Song» y su solo en » Eternal Triangle”, y las hice en las 12 tonalidades. Esto ha cambiado mi visión de todo y realmente no entendí a Sonny Rollins hasta que transcribí sus solos.

Descubrí que Sonny Rollins es muy improvisador y, en ese momento, se le ocurrió algo único que es simplemente increíble. Todavía quiero transcribir “St. Thomas” y luego quiero transcribir Trane en “Mr PC” en las 12 claves. Hacer solos en las 12 teclas realmente abre tus oídos.

ZS: ¿Cómo has visto cambiar el negocio de la música desde que empezaste a tocar el saxofón y hacia dónde ves que se moverá el negocio de la música en el futuro cercano?

PJ: Internet parece imparable y no veo forma de evitarlo. Pero eso también depende de dónde estés y quién seas en ese momento de tu carrera. Por ejemplo, estoy haciendo un gran esfuerzo de marketing desde que lancé cuatro discos entre 2015 y 2020 y lanzarlos era algo que realmente quería hacer.

Saqué mis álbumes y les fue bastante bien. En realidad, cuando salió mi segundo álbum, fue un éxito y contraté al publicista adecuado, fui a Banff e hice una residencia de artista y me tomé muy en serio la composición y la idea del álbum. Incorporé muchos músicos diferentes en el álbum y pasé horas y horas trabajando en el bar para ahorrar dinero para reservar tiempo en un estudio y contratar a los ingenieros de sonido adecuados. Recibí críticas positivas en Downbeat, Spotify, etc. y al día siguiente estaba de nuevo en el bar y me di cuenta de que nadie venía a los conciertos porque Cornelia St Cafe se estaba muriendo.

Tener gente que venga a los shows es importante porque haces todo este trabajo para interpretar tu propia música personal y si nadie aparece, es como «¿qué estoy haciendo?».

Las puertas que abrió me estaban introduciendo bien en el mundo de los negocios tradicionales del jazz de la vieja escuela. Asistí al 2º Congreso de Jazz y conocí a mucha gente de negocios allí y estaban emocionados de verme. De lo que me di cuenta es que todos los años necesitaba sacar este álbum monumental para que tuvieran algo sobre lo que escribir, pero solo me movió cada vez más, por lo que físicamente no podía hacer más trabajo y enviar más correos electrónicos y artísticamente estaba agotado.

Lo de las redes sociales es la forma en que está el mundo ahora y aquellos jugadores que aprovecharon bien las redes sociales, si tuvieran un espectáculo, el espectáculo estaría repleto. Las redes sociales ahora son publicidad musical para hoy, no es arte, no es un espectáculo en vivo, es solo marketing. Todo el asunto de la cantidad frente a la calidad. Veo las redes sociales como más cantidad frente a la calidad, que es lo opuesto a la mentalidad de un músico de jazz. Mi objetivo es presentar mi mundo en Internet y no ser solo una copia. Tengo la esperanza de que la gente se aferre a mi mundo. No sé qué pasará con el mundo tradicional pero el directo se siente muy pequeño; han cerrado más clubes, hay menos lugares para tocar y eso es triste. Lo que tocas en las redes sociales es muy diferente de lo que tocas en un show en vivo y lo que llama la atención de alguien.

ZS: Desde el Covid y antes una cosa que no se discute mucho es qué debes buscar en tu primer micrófono. ¿Cuáles son sus pensamientos sobre este tema?

PJ: Así que grabar es como otro instrumento. Cada micrófono tiene una calidad de color como un Yanagisawa o un Mark VI. Prácticamente todos los micrófonos son buenos, pero todos tienen características para el color que desea obtener. Una cosa a considerar es que el otro instrumento que es realmente importante es la habitación. Dado que nuestros instrumentos son tan fuertes, el sonido vibrará en las paredes y en el micrófono y eso es mucho de lo que hará su tono.

Debido a esto, empujaría a los jugadores hacia micrófonos dinámicos en lugar de condensadores cuando están solos en casa porque tiene un mejor rechazo hacia el espacio negativo. Un micrófono de condensador capta todo lo que es realmente bueno en un estudio porque las paredes suenan muy bien. Si va por la ruta más económica, use un SM57, pero asegúrese de obtenerlo de un distribuidor acreditado porque las estafas ocurren.

Un SM57 nuevo, creo que lo puedes conseguir por $100 dólares, pero tienen un sonido delgado en cuanto a que tienen un sonido pequeño y apretado y tienen un bache en la frecuencia superior. Entonces, dicho esto, recomendaría un micrófono dinámico y mi micrófono favorito es el Shure SM7B, pero tengo una paleta de colores ligeramente diferente a la de la mayoría de mis compañeros y a la mayoría de ellos les gusta mucho el Electro-Voice RE20 que es uno. de los micrófonos que Michael Brecker usó mucho, así como muchos podcasters. Suena muy bien en el saxofón, pero es un poco más brillante para mi gusto. Ambos micrófonos cuestan alrededor de $ 400 dólares.

Además de la sala, la ubicación del micrófono es clave. Cuando coloque el micrófono, debe colocarlo al menos a un pie del saxofón, pero no demasiado lejos y no desea colocarlo directamente en la campana. Recomiendo seguir ajustando el micrófono y grabar para encontrar el lugar adecuado para el sonido que está buscando. Obtener el nivel de preamplificador correcto y mezclarlo después no es difícil de hacer, pero tener a alguien que le muestre cómo hacerlo es muy útil. Disparo a (-12) en mi interfaz de grabación, que es un buen lugar/mi zona. Eso no va a ser lo suficientemente caliente como para liberarlo y será silencioso, pero lo que haces es aumentar ese sonido en el programa. Hay un software de automatización llamado Ozone 9 Elements y es un programa de masterización y mezcla automática, así que todo lo que tienes que hacer es poner ese plug-in en tu canal y eso es esencialmente todo.

ZS: ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

PJ: Realmente estoy trabajando en las redes sociales en este momento y muy activamente tratando de presentar mi mundo. Mi objetivo es crear contenido de redes sociales un mes y luego el próximo mes escribir música y grabar música. Quiero escribir un disco de cuarteto de saxofones SNAP y definitivamente grabar un proyecto de estándares el próximo año, pero será un proyecto de estándares de trío en mi estudio. Me gustaría hacer otro álbum creativo, pero eso está más adelante, quizás dentro de un año o dos, seguro.

ZS: ¿Cuáles son sus pensamientos sobre la importancia del equipo? ¿Te encuentras cambiando mucho o te quedas con el mismo equipo?

PJ: Me dediqué mucho a la reparación de saxofones hace unos años porque quería encontrar formas de ajustar el tono de mi saxofón y aprender a eliminar mis fugas fue un cambio de juego. Casi todas mis cañas funcionan después de arreglar todas las fugas. Estaba obsesionado con mi equipo en el pasado, pero ahora solo me atengo a mi configuración actual y hago que funcione. Por ejemplo, nunca me he puesto una boquilla y he dicho «GUAU, esto realmente funciona» y me he dado cuenta de que toma alrededor de 3 meses a incluso un año para sentirme realmente cómodo con esa bocina o boquilla.

Equipo actual

Saxofón:

  • Tenor: último modelo Selmer Super Balanced Action (con High F#) con cuello largo. Cambié mi alto Mark VI por este cuerno.
  • Alto: saxo alto Conn de los 70 y Conn New Wonder II.

Boquilla:

Cañas:

Ligadura:

  • Tenor: ligadura Selmer 404 que no encaja bien pero la hago funcionar

Para más información sobre Pablo, haga clic aquí para ver su sitio web personal.

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