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Mas alla del jazz con el innovador saxofonista Mike Casey Introducción

Como mucha gente sabe, convertirse en músico a tiempo completo no es tarea fácil (con o sin una pandemia mundial). Se ha vuelto cada vez más difícil, incluso para los artistas algo establecidos, mantener un flujo constante de ingresos debido a la menor cantidad de clubes de jazz y la mayor competencia de otros músicos que compiten por un grupo más pequeño de conciertos.

Aunque el jazz no está en el mismo centro de atención que en el pasado, ha sido refrescante ver a más y más músicos creando su propia música y dando vida a lo que considero «jazz moderno», como la música de Mike Casey. . Mike es un artista único dedicado a perfeccionar su oficio como saxofonista con una base sólida en el jazz, pero también como compositor y productor de música estilísticamente libre de las restricciones de lo que se reconocería inmediatamente como «jazz» en el sentido tradicional. .

Biografía

  • Mike Casey es un compositor y productor que aprendió a tocar el saxofón a los 9 años.
  • Mike asistió a la Academia de Artes Escénicas de Greater Hartford en la escuela secundaria, que produjo ex alumnos como Jimmy Greene, Josh Evans, The Curtis Brothers y miembros de West End Blend.
  • Mike recibió una beca completa para asistir al renombrado Instituto de Jazz Jackie McLean en la Escuela de Música Hartt (Universidad de Hartford), estudiando con artistas de jazz respetados como Abraham Burton, Rene McLean, Javon Jackson, Steve Davis y Nat Reeves.
  • Después de graduarse en 2015, Mike fue uno de los 24 jóvenes compositores que participaron en el programa Betty Carter Jazz Ahead en el Kennedy Center en Washington, DC y estudió con un cuerpo docente estelar de Jason Moran, JD Allen, Carmen Lundy, Eric Revis, Andre Heyward. y Ciro Castaño. Poco después comenzó a tocar regularmente en el proyecto Harlem Sessions de Marc Cary.
  • Después de lanzar su debut en la ciudad de Nueva York como líder en Minton’s en septiembre de 2016, Casey inició una campaña de financiación colectiva para «The Sound of Surprise» que alcanzó el 124 % de financiación.
  • En febrero de 2016 en Side Door en Old Lyme, Connecticut, el trío de Mike llenó su primer gran espectáculo, lo grabó en vivo y con grabaciones tomadas de dos sets de 50 minutos esa noche, documentó 14 primeras tomas que comprenderían el material para su 2017. debut, El sonido de la sorpresa y el seguimiento de 2018, Mantente Sorprendente.
  • En 2018, Mike colaboró ​​​​con la compañía de bibliotecas de muestras de audio, Splice, para su primer paquete de muestras de artistas de saxofón.
  • Anhelando continuar su educación, Mike se aventuró en el extranjero y siguió el programa de maestría de un año de duración de Berklee en Interpretación y Producción Musical Contemporánea en Valencia, España.
  • Mientras estuvo en Berklee Valencia, Mike tuvo la suerte de estudiar con artistas versátiles de géneros cruzados como Victor Mendoza, Javier Vercher, Casey Driessen, Ben Cantil, Gary Willis (Tribal Tech/Wayne Shorter 80s quartet) mientras trabajaba para perfeccionar sus nuevas habilidades en Ableton. Vive, mezcla, cruza ritmos culturales, produce y experimenta con estilos de música de todo el mundo.
  • Llevando la alegría del jazz a través de las líneas de género a una audiencia diversa, la música de Mike ha superado los 7 millones de reproducciones desde que comenzó su carrera discográfica en 2017.

Entrevista

ZS: ¿Cómo te interesaste en tocar el saxofón?

MC: El saxofón fue en realidad mi segunda opción. Quería ser baterista y mi mamá dijo que no porque la batería es muy fuerte, pero no sabía que el saxofón también es muy fuerte. Después de la batería, el saxofón siempre me atrajo y siempre me encantó su rango sonoro. Recuerdo desgastar el disco clásico de Sonny Rollins Locura de tenor y en particular el tema “La chica más hermosa del mundo” y “Paul’s Pal”, fueron mis jams. Empecé con el alto como lo hacen la mayoría de las personas que no fueron bendecidas con una gran altura y he estado tocando el alto hasta ahora durante 18 años y el tenor durante unos 8 años.

Empecé a estudiar música tarde para donde vivía en ese momento. La norma era 4el grado para comenzar la banda y comencé el verano justo antes de las 5el calificación. Recuerdo llegar a la banda de concierto y estaba tan atrasado que no podía leer música y recuerdo llegar a casa y llorar ese día porque tenía muchas ganas de tocar pero no sabía qué hacer. Quiero decir que podía escuchar muchas de las melodías del libro de método básico, pero lo que estaban haciendo en la banda de concierto estaba muchos niveles por encima de mí; afortunadamente, rápidamente me puse al día.

Tuve lecciones privadas desde el principio, pero definitivamente las ignoré mucho y me aprendí a mí mismo para bien o para mal. No era el mejor estudiante al principio y no me gustaba aprender las reglas de la música. Para cuando tocaba el saxofón, mi familia se había mudado del área de Boston a Storrs, Connecticut, y mis lecciones eran en la ciudad de al lado, en Willimantic, Connecticut, en una tienda llamada Thread City Music. Bill Rood fue mi primer maestro de saxofón y luego pasé a estudiar con Jeff Taylor en la Escuela de Artes de la Comunidad de UConn.

Después de Jeff, tomé algunas lecciones con Chris Beaudry, pero luego hice una pequeña pausa porque la Academia de Artes de Hartford se estaba volviendo tan exigente que tenía mucho para practicar.

Cuando decidí estudiar en la Escuela Hartt de la Universidad de Hartford, estudié con Kris Allen durante el primer año y luego mis últimos 3 años en Hartt fueron con Abraham Burton.

En términos de dedicarme a la música como carrera, hubo dos momentos que ayudaron a dar forma a mi futura búsqueda.

El primer momento fue cuando me sacaron del equipo de baloncesto de mi primer año de secundaria. En ese momento, en realidad estaba más obsesionado con el baloncesto que con la música y, aunque me gustaban ambos, una vez que me sacaron del equipo de baloncesto, decidí postularme a una escuela secundaria de artes en Hartford, Connecticut, con un fuerte programa de jazz y esto realmente cambió mi vida. Esta fue la primera vez en mi vida que estuve rodeado de personas de mi edad que estaban trabajando seriamente para tocar música a un nivel realmente alto. El segundo o tercer día en la escuela, decidí que eso era todo para mí. Iba a tocar el saxofón el resto de mi vida y hacer que funcionara de alguna manera. Cuando llegó el momento de postularme para la escuela de música, mi proceso fue un poco diferente de lo normal.

Deliberadamente no solicité mi licenciatura en ningún lugar de Nueva York. Decidí no hacerlo porque sentí que estaba sobrevalorado, no podía pagar la deuda y no estaba preparado. Sentí que sacaría más provecho de un lugar donde estaba siendo desafiado pero al mismo tiempo era un lugar donde podía empujarme fuera de la escuela.

En ese momento, vi de primera mano la escena del jazz de Hartford: los profesores de Hartt (Instituto Jackie McLean) realmente se esforzaban por traerte el «elemento de vida» de esta música… no estaban marcando el reloj. Iba a las jam sessions locales en la escuela secundaria y veía a Steve Davis y Nat Reeves llevando a los estudiantes a sus conciertos y pasando el rato y para mí, esa era realmente la educación de jazz de la vieja escuela… algo que podía ver con mis propios ojos y quería ser parte de.

Además de Hartt, apliqué a Berklee, Rutgers, William Paterson, Western Connecticut State, y casi fui a William Paterson pero terminé decidiéndome por Hartt porque tenía una gran oportunidad allí. Me alegro de haberme quedado en Hartford porque aprendí muchas lecciones de vida allí y aprendí mucho de tener un entorno exigente pero no tan exigente como para que no pudieras encontrar tiempo para trabajar en tu propia voz, sonido y lo que querías. que hacer. Sentí que Hartt era un buen equilibrio entre el ambiente escolar y la vieja escuela.

Como mencioné anteriormente, estudié con Kris Allen mi primer año en Hartt, pero en realidad, él fue uno de mis maestros en la Academia de Artes de Hartford. Mi segundo año en Hartt fue cuando comencé a estudiar con Abraham Burton, pero también pasé tiempo con todos los profesores de Hartt. Lo que hacía a veces era sentarme en las lecciones de otros estudiantes, como una lección de bajo o batería. Lo que fue genial fue que asistía a las lecciones de Nat Reeves, que estaban enfocadas en sus estudiantes de bajo, pero él permitía que otros se sentaran y me daban consejos sobre cosas en las que yo también podía trabajar.

Además de sentarme, asistía a las horas de oficina y tocaba en varios conjuntos, lo que me dio la oportunidad de aprender de Steve Davis, Nat Reeves y Javon Jackson a través de sus clases de conjunto.

Realmente descubrí que el objetivo/plan de estudios de Hartt era brindarte orientación y algo de estructura, pero también el tiempo suficiente para buscar y descubrir cosas como lo haría un verdadero artista. Recuerdo que comencé mi segundo año de universidad como trío y ya han pasado más de 7 años desde que tuvimos nuestro primer concierto… tener ese tiempo para concentrarme en escribir música para eso y desarrollar el sonido de nuestra banda mientras estaba en la escuela fue realmente clave para mí. Recuerdo mi último año en Hartt antes de graduarme, hice la residencia Betty Carter Jazz Ahead en el Kennedy Center, que era un programa de 2 semanas donde 24 artistas de todo el mundo tocarían, escucharían y escribirían. Aprendí las lecciones de toda una vida de todos los profesores allí (Jason Moran, Eric Revis, Cyrus Chestnut, Carmen Lundy, Eric Harland, Andre Hayward) pero especialmente JD Allen. La perspectiva de JD y la forma en que entiende la música es única, y su enfoque del sonido del saxofón me ayudó mucho.

Después de graduarme de Hartt, me quedé en Hartford por otros dos años y comencé a viajar a Nueva York cada vez más. Empecé a tocar con Marc Cary en su proyecto de sesiones de Harlem con regularidad. Equilibré tocar con Marc y los espectáculos en la ciudad de Nueva York con tocar en conciertos en Connecticut y enseñar a los estudiantes.

En septiembre de 2017, me mudé de Hartford y me mudé al área de Filadelfia (todavía me dirigía a Nueva York con frecuencia) y luego, un año después, asistí al programa de maestría de un año de duración de Berklee en Valencia, España, desde finales de agosto de 2018 hasta finales de agosto de 2019.

Quería hacer una Maestría en Música pero no estaba seguro de querer volver a la escuela de jazz. La carrera de Berklee Valencia no es una carrera de jazz, es un Máster en Interpretación y Producción Musical Contemporánea. Sentí que el programa me ayudó por completo porque llenó muchos vacíos y conocimientos que no tenía.

Si bien mis lecciones de saxofón con Javier Vercher fueron principalmente lecciones de saxofón basadas en jazz, y Javier me ayudó mucho con la técnica, la mentalidad y la composición, principalmente estaba aprendiendo cómo grabar, mezclar, masterizar, colocar el micrófono, mentalidad de grabación, estudiar estilos de música más allá del jazz de todo el mundo, Ableton Live y ritmos globales junto con mirar la música a través de la lente de un productor tradicional como en la producción de sesiones de grabación de otros artistas, pero también la suya propia de principio a fin. Era un cuerpo estudiantil muy internacional con 40 países diferentes en un edificio. Fue genial hablar y aprender música de todo el mundo, hacer amigos para toda la vida con los que todavía colaboro (aparte de Venus, que BSWE cubrió aquí y se grabó en Berklee Valencia en España, hay otro álbum que viene de esa época, junto con mi remezclar EP hecho durante este tiempo y desde entonces lanzó colaboraciones con gente como Bpad e Issaya Rouson que tienen base electrónica).

Después de terminar en Berklee, me mudé oficialmente a la ciudad de Nueva York en 2019 después de años de viajar regularmente y los miembros de mi trío se establecieron allí durante algunos años.

ZS: Como has trabajado para desarrollar tu propio sonido y técnica, ¿a quién trataste de emular más y cuál fue tu proceso?

MC: Siempre me resultó difícil emular. Tratar de tocar, por ejemplo, un solo de Sonny Rollins o una frase que transcribí y estudié palabra por palabra es algo que rara vez hago mientras toco mi solo. Más bien, siempre trato de estudiar los ingredientes subyacentes, las decisiones y por qué alguien jugó lo que hizo. Mientras estudiaba con Abraham, me enseñó a centrarme realmente en el fraseo al transcribir un solo y, de nuevo, la decisión de por qué y cómo se tocaba una frase en relación con la historia contada no solo por el solista sino también por la banda.

Cuando era más joven, transcribí un montón de Bird & Hank Mobley, pero luego, cuando crecí, comencé a escuchar a Johnny Hodges, Sonny Stitt, Jackie McLean, Gary Bartz y Ornette Coleman. En tenor, me encanta escuchar a Trane, Rollins, Ammons, Dexter, Yusef Lateef, Arnet Cobb y Hank Mobley. También escuchaba a tantos músicos como podía y me enfocaba principalmente en discos de tríos de batería basados ​​en saxofón.

ZS: ¿Cuáles fueron algunas de las lecciones clave que aprendiste mientras estudiabas?

MC: Trabajando en solos en una nota y narración de historias. Mientras tocaba, Abraham hizo que me concentrara en las inflexiones dinámicas, el espaciado, el fraseo, la articulación, todas las cosas que tienen que ver con el sonido y no con la melodía. Abraham me enseñó que si no puedes hacer esto, ¿cuál es el punto de agregar un 2?Dakota del Norte ¿Nota? Que la forma en que uno toca una sola nota debe ser con la suficiente convicción como para atrapar al oyente al instante. Esa fue una clave importante para mí. Otra realización que me cambió la vida fue cuando Rene McLean me recomendó este libro de Yusef Lateef llamado Método sobre cómo realizar música autofisiopsíquica lo cual fue un cambio de mentalidad clave para mí, así como su clase sobre «historia del jazz» que comienza en Egipto y me dio una mayor apreciación del lado cultural de la música, cómo la música refleja la vida. El libro de Yusef analiza cómo tocar música y cómo unir la mente, el cuerpo y el espíritu. Hay ejercicios en ese libro que me han ayudado a convertirme en un intérprete mucho más melódico.

Un ejemplo es tomar una escala y enfocarse en una melodía sin fin, así que si estás en G7, solo muévete hacia arriba y hacia abajo sin saltar (C, D, E, F o F, E, D, C) pero luego haz lo mismo. opuesto tocando la escala pero solo saltando (C, E, G, B, D, G, E, C, A, etc.), por lo que no puede tocar dos notas que están una al lado de la otra.

ZS: ¿Cómo te has adaptado a COVID desde una perspectiva musical y comercial?

MC: Desde una perspectiva musical estoy haciendo tonos menos largos. Estoy realmente enfocado en la creación y menos en el aprendizaje per se en el sentido tradicional (no estoy haciendo muchos ejercicios de transcripción o técnica en este momento). Ha sido un momento estresante, así que realmente necesito que la música sea más una salida creativa para mí ahora… está saliendo de mí y me estoy enfocando en dejar que fluya.

He pasado más tiempo escribiendo y grabando desde casa para los proyectos de otros artistas, además de pasar mucho tiempo mezclando música que grabé antes de Covid para prepararme para el próximo año. Este ha sido un gran año para colaborar de forma remota con artistas de todo el mundo, lo cual ha sido realmente muy divertido y algo que estaba planeando hacer este año. Ha sido muy divertido lanzar estas colaboraciones a lo largo de 2020. Últimamente he disfrutado más de lo habitual dando lecciones por Skype (aunque he estado dando lecciones por Skype desde 2014).

ZS: Cuando se trata del negocio de la música que se enseña en la universidad, ¿qué piensas sobre cómo las escuelas están preparando a los estudiantes o incluso a ti mismo después de la graduación?

MC: Creo que, en general, las universidades de música necesitan mejorar drásticamente en esta área. Hablando con muchos de mis compañeros sobre esto que han ido a muchas escuelas diferentes, parece que muchas escuelas realmente no están equipando a los graduados sobre cómo sobrevivir y crecer en el corto plazo de sus carreras después de la graduación dentro de la educación de jazz actualmente. Si bien los oradores invitados y las clases magistrales sobre estos temas solo pueden ayudar, parece que podría ser necesario un cambio estructural y sistémico. Una marea creciente levanta todos los barcos y siento que un mayor enfoque en esto desde el principio ayudará a todos los músicos a abogar por un trato y pago más justos. Tenemos que trabajar juntos para aumentar nuestro valor colectivo y la educación puede desempeñar un papel clave en esto. Arthur Taylor habla de esto en Notas y Tonos…cuanto más cambian las cosas, más permanecen igual.

Si eres un estudiante universitario que está leyendo esto, no es demasiado tarde. Mi mejor consejo sería hacerles preguntas específicas a tus maestros sobre sus experiencias en el negocio de la música. Es posible que el plan de estudios para el negocio de la música aún no exista en su escuela, pero personalmente aprendí mucho al hacer preguntas específicas a mis maestros sobre esto de manera constante y luego actuar sobre lo que aprendí o al menos visualizar cómo podría implementar la lección más tarde en mi propio carrera más tarde. A menudo, descubrí que necesitaba guardar esas lecciones para más adelante. Pase lo que pase, esencialmente lo que estoy diciendo es que puedes hacer tu propio plan de estudios.

ZS: Cuando se trata de practicar, ¿cuál es su proceso para perfeccionar sus habilidades? ¿Tiene algún consejo que recomiende para todos los jugadores, desde principiantes hasta avanzados?

MC: Me encanta derramar con tamborgenio y se lo recomendaría a todo el mundo. Cuando se trata de aprender jazz, desearía que cuando era más joven me hubiera centrado más en la narración, la melodía, el espacio y la emoción que en varios licks, conceptos y armonía. Para mí, todo lo demás sirve a estos «intangibles», y aunque son menos exactos en algunos aspectos, también se pueden trabajar en formas específicas.

ZS: ¿Hay algo que te gustaría compartir que crees que mucha gente no sabe sobre ti?

MC: Solía ​​ser DJ profesionalmente y lo dejé en 2012 para centrarme más en el saxofón. Últimamente poco a poco estoy volviendo a eso. También me encanta jugar al billar, visitar museos de arte y disfrutar de la comedia en vivo. “Episodes” es mi programa reciente favorito de Netflix. Cada vez que lanzo música nueva, lo celebro con comida india.

ZS: ¿En qué proyectos actuales estás trabajando ahora mismo?

MC: Acabo de lanzar mi 4el álbum en 4 años llamado Ley de la atracción. Es mi debut en el estudio (después de dos álbumes en vivo y un álbum de remixes), además es un álbum visual (video de estudio para cada pista que se puede ver en YouTube, Vevo, Apple Music o Tidal) y es mi primer lanzamiento en vinilo. Está inspirado en la ley universal de que «los pensamientos se convierten en cosas» y presenta a Benito González (pianista de la banda actual de Pharoah Sanders), nominado al Grammy, que se une a mi trío en 3 canciones, grabadas en julio de 2018, justo antes de viajar a España para la maestría de un año. con Berklee Valencia en el estudio Wilson Live de Omer Avital en Brooklyn.

El próximo año, tengo un par de cortes perdidos de esa sesión y algunas cosas en vivo grabadas en Side Door en Connecticut para lanzar, además de trabajar en la mezcla y masterización de toda la música que escribí y grabé en España en Berklee Valencia entre el otoño de 2018- verano de 2019 que está en una nueva dirección artística para mí.

También estaré trabajando en hacer un proyecto de remezclas para algunas de estas canciones y actualmente estoy trabajando en algunos materiales educativos (¡más por venir!).

ZS: ¿Cuáles son sus pensamientos sobre la importancia del equipo? ¿Te encuentras cambiando mucho o te quedas con el mismo equipo?

MC: El equipo es lo menos importante cuando tocas el saxofón como artista, una vez que encuentras lo que funciona para ti. Personalmente, he usado básicamente la misma configuración durante los últimos 8 años en alto y 8 años en tenor. Experimenté un montón cuando era más joven para encontrar lo que funciona para mí… y al hacerlo me di cuenta de que voy a sonar exactamente igual que hace 3 meses una vez que mi cuerpo se acostumbre al equipo. El sonido está dentro de uno mismo y el equipo solo matiza eso, o dependiendo de cómo lo pienses, aumenta o disminuye la resistencia.

Equipo

Para obtener más información sobre Mike, diríjase a su sitio web. aquí

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