Mark Small de la ciudad de Nueva York es un hombre malo en el tenor.
Aunque ha hecho mucho más, el principal reclamo de Mark a la fama es como el chico tenor en la sensación de canto moderno enormemente popular. El conjunto de giras y grabaciones de Michael Bublé. Las giras con Bublé han llevado a Mark a todos y cada uno de los rincones del planeta, así como a programas de televisión como Saturday Night Live, Leno, Letterman, Ellen, y muchos otros. Mark fue un solista destacado tanto en saxofón como en clarinete para el DVD ganador del premio Grammy «Michael Buble Meets Madison Square Garden», así como una presentación en vivo para PBS (que luego se convirtió en un DVD nominado al Grammy, titulado «Caught in the Act ”).
Fuera de la burbuja de Buble, Mark actuó con grupos como The Orquesta de vanguardia y La sociedad secreta de Darcy James Argue en clubes tan destacados como el Blue Note, 55 bar, Village Vanguard y Jazz Gallery. También es co-líder, junto con el saxofonista Walter Smith III, del grupo «Bronze», que vio el lanzamiento de su primera grabación homónima en 2008. Para colmo, Mark se siente cómodo tocando instrumentos de viento en los fosos de las orquestas de Nueva York y tiene habilidades formidables en el campo de la composición y los arreglos.
Doron Orenstein: Has tocado en algunos grupos de alto perfil, como la banda de Michael Bublé y la Village Vanguard Orchestra. ¿Hiciste esfuerzos concentrados para conseguir estos conciertos, o simplemente te llegaron como resultado de estar en la escena del jazz desde hace algún tiempo?
Marcar pequeño: Es divertido que preguntes por estas dos bandas porque la forma en que tuve la oportunidad de tocar con ellas no podría ser más opuesta. The Vanguard Band podría ser la razón por la que toco música hoy. Había ido a verlos en la escuela secundaria cuando estaba en el campamento de jazz de verano de MSM. Tocaba jazz por diversión y escuchaba bandas como Tonight Show Band, así como músicos como Michael Brecker y Branford Marsalis. Recuerdo que el VJO estaba a punto de tocar la balada “skylark” y pensó, ‘oh, ya conozco esta’. Luego empezaron a tocar el arreglo de Brookmeyer que me dejó anonadado. Pienso de una manera vaga que ese fue el momento Me di cuenta de que las posibilidades de la música eran infinitas y que ni siquiera había rozado la superficie. Tenía tantas ganas de tocar con esa banda a partir de ese momento. Tuve la suerte de estudiar con Dick Oatts y tener a John Mosca como director de mi banda de jazz durante un año en UConn. Después de eso, bajé todo el tiempo cuando me mudé a Nueva York y practicaba las pocas tablas en las que tenía partes de la sección de saxofón en casa, como «jugo de cereza». Tocar en esa banda sigue siendo una de mis mayores emociones en la música hasta el día de hoy.
En cuanto a la banda de Michael, tenía algunos amigos que tocaban en la banda cuando empezó. Recuerdo que me preguntaron si quería ir a verlos al Blue Note de Nueva York. Me impresionó su voz durante el primer set e igualmente me sorprendió lo divertido y fácil que era con la multitud. Luego segundo set, dijo todo textualmente y Pensé “Estos muchachos van a recibir malas críticas. Simplemente hace lo mismo”. Me lo presentaron después del show y no pensé en eso hasta un par de meses después, cuando un amigo de la banda me pidió que lo reemplazara porque no podía hacer su gira por Australia. No me veía uniéndome a la banda, pero terminaron pidiéndome que me uniera y no pude resistir el viaje y la oportunidad de pasar el rato con mis amigos que estaban en la banda. En ese momento, no tenía idea de que terminaría haciéndose tan grande.
HACER: Imagino que había que memorizar un montón de música para las giras con Michael Bublé. ¿Puedes hablar un poco sobre el proceso de aprender toda esa música?
EM: En cuanto a la música de Michael, no es la más exigente en comparación con las cosas que estoy acostumbrado a tocar en Nueva York (la música de Darcy James Argue, por ejemplo) y conocía bastante la música de Frank Sinatra antes de tocar con MB. Podríamos leerlo en el escenario durante la gira si quisiéramos, pero si hay algo en lo que me he destacado, es en memorizar música. Simplemente es más fácil que leer para mí. Crecí más como un músico de oído, por lo que memorizar el sonido de las partes internas es un poco más natural. Creo que la gran parte es la primera vez que lo juegas sin mirar. Vas a cometer algunos errores, así que es mejor sumergirte directamente en jugarlo sin mirar antes. Eso es lo que siempre he encontrado (siempre que alguien te permita cometer un error o dos).
La otra cosa acerca de tocar la música en la banda de MB era que lo hacías todos los días, de la misma manera. Cualquier cosa que hagas día a día, lo sabrás por dentro y por fuera muy rápidamente. Deseé haber tenido más oportunidades de tocar otro instrumento en esa gira porque la repetición noche tras noche haría posible aprender prácticamente cualquier cosa.
HACER: Claramente tienes un fuerte dominio del estilo directo y bebop de tocar. ¿Cuáles son algunas de las cosas que hiciste para solidificar esos sonidos como parte de tu vocabulario musical?
EM: Diría que mi base para tocar bebop definitivamente vino de estudiar con Dave Santoro. No solo me dijo cuáles eran buenos discos para escuchar ese estilo de interpretación de tono lineal/acorde, sino que también tenía un método real para que trabajaras con el material. Se deriva de las cosas que él y Jerry Bergonzi enseñan sobre dónde comienzas tus líneas y qué dirección quieres llevarlas. Practicas metódicamente todas las posibilidades y luego salen cómodamente cuando estás improvisando. Antes de eso, si quería tocar bebop, solo estaba aprendiendo vocabulario y estaba a merced de algunos licks (lo que no me hizo fanático de TOCAR bebop cuando comencé). Combinando ese método con solo escuchar y jugar junto con la transcripción de maestros de bebop es más o menos de donde viene ese vocabulario para mí.
HACER: Pasando a algunos de tus proyectos más vanguardistas, ¿qué es lo que has hecho para poder expandir tu vocabulario musical desde un estilo de jazz tradicional a los sonidos más modernos?
EM: Como dije antes, escuchar cosas diferentes y seguir el juego es realmente clave para expandirse. Prefiero tu uso de ‘expansión’ a la idea de ‘moderno’ porque hay un extraño énfasis en la escena musical en ser ‘moderno’ o ‘tradicional’ con lo que realmente no estoy de acuerdo. Creo que es más una cuestión de expandir tu paleta. Encuentro que muchas de las cosas que se denominan ‘modernas’ simplemente se toman prestadas de otra fuente y se incorporan de una nueva manera a un campo en el que antes no estaban. ‘La tradición es más un énfasis en el estudio de los puntos más finos y más enfocados de los estilos y convenciones ya existentes. Siempre puedes llegar a una esencia más profunda de un estilo o puedes expandir continuamente tus límites más allá de los elementos a los que estás acostumbrado. Ambos son importantes a su manera y no deberían ser mutuamente excluyentes.
En cuanto a cómo trato de ampliar mi vocabulario, encuentro que tratar de ver qué elementos puedo tomar de otras tradiciones musicales es la mejor manera de ampliar mi forma de tocar. Hice un viaje a Bulgaria con mi buen amigo el pianista Asen Doykin. Me introdujo en la música folclórica de allí, que tiene una larga tradición y al mismo tiempo suena vanguardista. Los ritmos que manejan y la forma en que los sienten son muy diferentes a lo que yo estaba acostumbrado (definitivamente, hay músicos en Nueva York que también manejan este estilo). Tocan canciones en 11/8, pero la forma en que lo sienten suena más como 3/4 con una ligera elevación en el tiempo medio. Y ver a la gente común bailar esto como si fuera una segunda naturaleza es salvaje. Esta ruptura con una sensación rígida y metronómica es algo con lo que también he tratado en la música latina, donde sientes la clave y cómo respira en lugar de un pulso uniforme. No pretendo hacer que suene técnico porque cuando se trata de eso, simplemente sienten el ritmo de manera diferente a otra música.
Además, probar diferentes combinaciones de instrumentos o cambiar el papel tradicional de un instrumento es otra forma de ampliar las posibilidades en lo que respecta a la composición y la interacción grupal. A veces, cuando practico, me gusta ver si puedo tocar la parte de los bajistas o ser un tambor.
HACER: ¿Qué estás practicando más estos días?
EM: Lo que estoy tratando de practicar en estos días, además de una montaña de música nueva que obtengo de los compositores semana a semana, es solo tratar de encontrar estructuras simples y mantenerlas consistentes mientras me muevo a través de conjuntos de cambios difíciles. Podría ser tan simple como tocando terceras subiendo una escala pero manteniéndola a lo largo de unos pocos compases de una melodía y comenzando desde abajo cuando me quedo sin cuerno en la parte superior. Es realmente mi intento de tratar de navegar sin restricciones a través de un conjunto de cambios en lugar de tratar de conectar ideas que podrían funcionar en este o aquel acorde. Si puedo mantener una estructura pasando por un conjunto particular de cambios incluso cuando cambio la métrica, el tempo, el ritmo armónico, los acordes sustitutos, etc., entonces siento que estoy llegando a alguna parte. Encuentro que hacer esto me relaja para explorar lo que quiera en algunos de los conjuntos más difíciles de cambios de acordes y estructuras formales. Es como estirar antes de correr. Luego, cuando realmente toco, no pienso en esas estructuras y es posible que ni siquiera las toque.
HACER: ¿Qué música distinta al jazz ha influido en lo que tocas y escribes?
EM: En estos días creo que estaría dividido entre cantantes/compositores que tienen melodías llamativas y memorables, así como compositores clásicos como brahms y chopin. Al mismo tiempo, siempre estoy buscando canciones con un ritmo único o uso de la sección rítmica/acompañamiento como D’Angelo, Egberto Gismonte, Elliott Smith, J Dilla y Radiohead. Creo que ese sentido de producción que encuentras en músicos como estos se ha vuelto mucho más importante en los últimos años también para los espectáculos en vivo de los artistas de jazz. Por un tiempo parecía que podías configurar, jugar 4tet y alcanzar un estándar mientras seguías las convenciones y estaría bien. Eso definitivamente todavía sucede (y no me malinterpreten, cuando los buenos jugadores lo hacen, suena emocionante) pero en Nueva York encuentras a muchos más músicos que realmente dan forma al sonido de su banda, no solo en el estudio de grabación, sino también en el quiosco de música.
HACER: Para aquellos nuevos en tu música, ¿qué grabaciones les recomendarías que vieran?
EM: Todavía no tengo una grabación en solitario, pero algunos de los proyectos en los que se me puede escuchar son:
- Mark Small/Walter Smith III: Bronce
- Darcy James Argue y la Sociedad Secreta: Máquinas Infernales (nominado a un Grammy este año)
- Cuarteto Dymaxion: Vibraciones Simpáticas
- (si puedes encontrarlo) de Mike Fuerstein Marco principal es una música realmente interesante en la que toco alto.
Configuración de Mark
- Tenor: Tenor de acción equilibrada, Reso Link 7*, cañas Francois Louis tamaño 3
- Alto: Conn Art Deco, ARB (¿tamaño?) trabajado por John Van Wei, Jazz Select 3 1/2
- Soprano: Selmer Serie 3, Selmer C*, caja azul Vandoren tamaño 3
Para obtener más información sobre Mark y su música, visita www.SmallMusic.com.
Mira a Mark haciendo lo suyo en vivo:
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