Los grandes improvisadores son grandes compositores

Creo que escribir puede ser un gran factor moldeador y determinante en tu desarrollo como improvisador. En mi caso, hacia el final de la universidad, había desarrollado un vocabulario be-bop inspirado por Bird, Cannonball, Stitt, Phil Woods, Charles McPherson y otros.

Sin embargo, aunque podía tocar un poco en ese contexto, también comenzaba a fascinarme con el último Coltrane, los grupos de Miles de mediados a finales de los 60, Joe Henderson, Weather Report, Pat Metheny, Wayne Shorter, la increíble música armónica de Michael Brecker. y contribuciones técnicas, Scofield, Lovano, Jaco, las grabaciones y escrituras de grupos pequeños de Wynton Marsalis, y el concepto armónico y de interpretación de líneas de Alan Holdsworth, entre otras influencias. En definitiva, lo que sabía tocar ya no era lo que escuchaba. Es bastante común y probablemente les suceda muchas veces a los improvisadores a lo largo de su desarrollo. TS Eliot escribió una vez: “…uno solo ha aprendido a obtener lo mejor de las palabras para lo que ya no tiene que decir, o la forma en que uno ya no está dispuesto a decirlo”.

Una oportunidad para remodelar y eliminar sus patrones establecidos

Entonces, la pregunta se convierte en: «¿Qué estoy escuchando y sintiendo ahora y cómo llego a eso?» Obviamente trabajas en las cosas mencionadas en este libro; las escalas y su aplicación sobre la armonía, melodías, etc. Pero sentarse al piano con lápiz y papel y grabarte a ti mismo es quizás la mejor manera que conozco para ralentizar, desarrollar y cristalizar tu pensamiento musical. Si estás tocando en un concierto, o incluso en una sesión, quieres hacer los cambios y quieres usar tus puntos fuertes. Pero a menos que seas pianista, no tienes licks para tocar el piano, y si estás solo no tienes a nadie a quien tratar de impresionar. (Por supuesto, no querrás que tu forma de tocar se trate de tratar de “impresionar” a nadie cuando tocas, sino de expresar lo que tienes que decir). Y escribir te da la oportunidad de experimentar, remodelar y desmenuce sus pensamientos musicales y su vocabulario de la misma manera que lo haría un escultor o pintor antes de mostrar su trabajo. Crear en el momento es una de las cosas más emocionantes y atractivas que se me ocurren y, para mí, no hay nada más inspirador que escuchar a grandes músicos de jazz hacer precisamente eso. Pero es una extraña paradoja que los músicos de jazz no lleguen a experimentar el tipo de proceso y desarrollo creativo a largo plazo durante un período de tiempo más extenso que muchos otros artistas experimentan sin componer y arreglar.

Y lo que es igual de importante, a medida que comienza a escribir, también comienza a desafiarse y a aprender cómo tocar algunos sonidos que le hablan y que tal vez van más allá de su lenguaje actual en su instrumento, ya sean celdas de tono, poliacordes, interpretación cromática o cualquier otra cosa. .

Empezando

Organice un estándar: vuelva a armonizarlo de 2 a 3 formas, cambie la clave o el compás, agregue una introducción, un interludio y una coda, escriba una contralínea, una segunda sección de solo, intente hacer que cada sección «A» sea diferente en una melodía AABA, etc. Estas mismas técnicas luego informarán su escritura sobre sus composiciones originales. Escribe una nueva melodía en un conjunto de cambios que te gusta tocar (también conocido como contrafacto), o escribe un original. Puede estar en o lejos de un teclado; es una buena idea probar algunos de ambos. ¡Te sorprenderá lo difícil que puede ser a veces tocar tu propia música! Pero ahí es cuando sabes que realmente estás creciendo y ampliando tu vocabulario. En el poema que cité anteriormente, «East Coker» de Eliot (la cuarta parte de sus «Cuatro cuartetos»), continúa diciendo en la siguiente línea: «Y así, cada aventura es un nuevo comienzo, una incursión en lo inarticulado…» Siempre vas a estar en equilibrio entre lo que puedes decir y lo que estás buscando. Independientemente de su estilo y estética, su voluntad de asumir riesgos solo informará y fortalecerá sus decisiones finales.

Llevándolo más lejos

Para esta lección, escriba tres piezas contrastantes. Organiza una composición estándar o de jazz con las técnicas sugeridas anteriormente: introducción, coda, etc. Para la segunda pieza, escribe un original. Trate de usar algunas de las mismas técnicas que usó para el arreglo para desarrollar y ampliar la forma y el contenido de la pieza. Y también recuerda escribir en al menos 2 pentagramas.

De esa manera, puedes experimentar con la instrumentación haciendo que el pianista doble una línea de bajo, o un trompetista doble una línea de contraataque, etc. Y la tercera pieza puede ser lo que quieras e ir en cualquier dirección: un saxofón compuesto o un cuarteto de cuerdas. , otro original o arreglo, algo para una instrumentación diferente a la que está acostumbrado, un coro de una lista de big band – (Aunque es posible que desee intentar leer primero «Inside the Score» o «Jazz Arranging Techniques» de Gary Lindsay ). Pero mi sugerencia es que intentes salir de tu zona de confort. Si eres un be-bopper, deja atrás esos sonidos y formas y piensa en modal o gratis. Si vienes de un enfoque más libre, externo o modal, piensa en Ben Webster tocando una balada de Strayhorn. Pero a largo plazo, lo principal que quiero que hagas es adquirir el hábito de reservar tiempo todos los días para escribir.

Esta tarea puede tomar algunos días o varias semanas, pero como todo compositor y arreglista sabe, una fecha límite puede ayudarlo a terminar las cosas. Así que escriba estas tres piezas contrastantes en no más de tres semanas.

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