El tenor Titan John Ellis habla sobre el sonido, el ritmo y el negocio de la música » Best. Saxofón. Sitio web. Alguna vez.

Juan Ellis

Biografía

El talentoso y versátil saxofonista/clarinetista/compositor Juan Ellis ocupa un espacio imaginario (y extremadamente imaginativo) directamente entre el espíritu festivo y acogedor de Nueva Orleans y las calles frenéticas y vanguardistas de la ciudad de Nueva York. Tanto como líder de sus propios proyectos eclécticos como acompañante solicitado por un número y una variedad de artistas alucinantes, Ellis expresa un intelecto agudo y un virtuosismo fácil mientras mantiene un brillo travieso en sus ojos y nunca deja que la lengua se desvíe de la conversación. mejilla. Esa combinación se muestra mejor en el combo excéntrico de Ellis. Doble de anchoque recientemente lanzó su tercer álbum, Encantopor cuenta de Ellis Registros de luces de desfile. Ellis también lidera su propio quinteto de jugadores de la lista A, cuyo lanzamiento más reciente fue el lanzamiento de Criss Cross de 2012. eres tu quien me gusta con canciones del cantautor Elliott Smith y el legendario presentador de televisión infantil Mr. Rogers. Compositor ambicioso y músico ágil, Ellis ha compuesto en los últimos años tres piezas narrativas a gran escala encargadas por The Jazz Gallery en colaboración con el dramaturgo Andy Bragen (“Dreamscapes”, “La sirena de hielo” y “MOBRO”). Ganador del segundo lugar en el prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk en 2002, Ellis también se ha establecido como uno de los mejores saxofonistas tenores de Nueva York, trabajando con artistas tan diversos como John Patitucci, Dr. Lonnie Smith, Miguel Zenón, Darcy James Argue, Charlie Hunter y Sting. Su discografía enumera más de 100 créditos de álbumes como acompañante, con más de una docena lanzados solo en 2014. Ellis creció en la zona rural de Carolina del Norte y persiguió su amor por la música en la Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte y más tarde en Nueva Orleans, donde estudió con el patriarca de la familia de jazz Ellis Marsalis. Ellis lanzó su álbum debut, El lenguaje del amor, en 1996 y un año después se mudó a la ciudad de Nueva York. A pesar de la mudanza, el título de su álbum de 2005 Un pie en el pantano captura sus lazos continuos con el Bayou, que brilla a través de los ritmos funk con acento sureño y teñidos de gospel de su música. Ellis ha lanzado nueve álbumes como líder, tres de ellos con su banda de carnaval urbano Double-Wide.

Entrevista

ZS: ¿Qué te interesó en elegir el saxofón?

JE: Crecí en la zona rural de Carolina del Norte y tuvimos la oportunidad de comenzar la banda escolar en 6el calificación. Hubo una pequeña presentación para niños donde nos mostraron los instrumentos, y el saxofón me encantó, pero nos dijeron que era el más caro, así que lo descarté de inmediato. Terminé tocando el clarinete durante un año y luego cambié al oboe en 7el calificación. Realmente no sabía qué era un oboe, pero sabía que nadie más en la banda lo tocaba. Primero toqué el saxofón tenor en 9el grado cuando me uní a la banda de música de la escuela secundaria, porque no podías marchar con un oboe. Me prestaron una bocina de la escuela que estaba muy rota, pero fue muy divertido. Cuanto mayor me hacía, más buscaba una ruta de escape de mi pequeño pueblo, y logré ingresar a la Escuela de Artes de Carolina del Norte como oboe major en 10el calificación. Por esa época me estaba interesando mucho el jazz, y en mi tercer año de alguna manera los convencí de que me dejaran cambiar al saxofón y seguir en la escuela. No veía mucho futuro para mí como oboísta de jazz, y tocar en la orquesta no era realmente algo que me atrajera en ese momento.

ZS: ¿Qué maestro o maestros te ayudaron a convertirte en el saxofonista que eres hoy?

JE: Sin duda, mi mentor de saxofón más importante fue James Houlik, quien fue mi maestro en la Escuela de Artes de Carolina del Norte de 1990 a 1993. Él fue lo suficientemente valiente como para correr el riesgo que me permitió quedarme. en la escuela. Como profesor, tenía una habilidad extraordinaria para encontrar para sus alumnos piezas que estaban fuera de su alcance y luego desarrollaba ejercicios técnicos basados ​​en la música. Así que la técnica de aprendizaje nunca fue por sí misma. También era esencialmente un principiante en el saxofón cuando comencé con él, pero había estudiado música con bastante seriedad en otros instrumentos, por lo que fue una situación inusual que me permitió progresar muy rápidamente.

Aunque su enfoque principal era el saxofón clásico, y más específicamente ayudar a desarrollar el repertorio para el tenor clásico, estaba muy abierto a la idea de que yo quería tocar jazz. Su principal preocupación era que yo tocara bien el saxofón y que no usara las elecciones de género o estilo como excusa para evitar los más altos estándares de excelencia instrumental.

En 1993 me mudé a Nueva Orleans para intentar aprender más sobre el jazz. Ellis Marsalis y Harold Battiste habían comenzado recientemente un programa en UNO, y muchos de mis amigos de NCSA que eran un poco mayores ya se habían dirigido allí para tratar de aprender de ellos. El enfoque de enseñanza de Harold y Ellis estaba muy orientado al aprendizaje, y los considero a ambos entre los mejores maestros/mentores que he tenido. Pronto estaba tocando en la banda de Ellis, e hice mis primeros conciertos de gira con su cuarteto cuando tenía 18 años. Dejé la escuela después de solo un año, ya que tenía muchas oportunidades de actuar en la ciudad y estaba aprendiendo más de esas experiencias en ese momento. Terminé mis estudios formales de 1997 a 1999 en The New School, justo después de mudarme a Nueva York. Hubo muchos grandes maestros allí, pero mis principales mentores fueron George Garzone, quien fue mi principal maestro de saxofón durante esos años, y Robert Sadin, quien me inspiró a escribir piezas más ambiciosas e involucradas (como MOBRO y The Ice Siren) y a abordar el estudio y la composición de música “clásica” con valentía, imaginación y como un proceso de descubrimiento, más como un improvisador.

ZS: ¿Qué hiciste para encontrar y desarrollar tu sonido?

JE: Esto realmente podría verse como dos preguntas diferentes e importantes. La primera involucra honestidad y estilo: la parte de sonido de «tu». ¿Cómo se desarrolla una voz o un estilo personal? ¿Cómo aprendes el idioma? La segunda pregunta es más básica, pero también está relacionada con la primera: ¿Cómo se desarrolla un buen sonido? ¿Cuáles son las formas de trabajar en la producción de tonos? Probablemente la tendencia es hablar demasiado sobre la primera pregunta y no trabajar lo suficiente para enfrentar la segunda, así que daré una respuesta a esta segunda pregunta y dejaré la primera para otro momento.

Cuando estaba estudiando con el Sr. Houlik, me presentó el concepto de practicar la serie armónica y el libro «Top Tones for the Saxophone» de Sigurd Rascher. No pude tocar en el registro altissimo en absoluto, lo cual fue muy frustrante. Descubrí que podía concentrarme en los primeros tres parciales (así que desde el Bb más bajo sería: Bb una octava arriba, Fa 5el por encima de eso, y Bb dos octavas por encima) e intenta perfeccionarlos sin preocuparte por tocar más alto. Pasé aproximadamente un año cuando estaba en la escuela secundaria tocando el siguiente ejercicio de armónicos durante al menos 45 minutos todos los días:

1) Tonos largos con la lengua en Sib bajo. Toque la fundamental (si bemol bajo) muchas veces seguidas y sostenga la nota el mayor tiempo posible. Respira profunda y lentamente (me gusta imaginar la respiración comenzando desde la planta de mis pies). Concéntrese en hacer que el comienzo de la nota sea lo más claro posible, ya que es muy fácil que esta nota ladre y se salga de control. A veces es útil establecer un número, casi como las repeticiones en el levantamiento de pesas: ‘Voy a tocar el Bb bajo 15 veces seguidas’, por ejemplo.

2) Toque los primeros tres parciales (o los que pueda tocar) sin la lengua e intente que la nota comience lo más clara posible y exactamente donde la desea. Esto es en parte un ejercicio para ser honesto consigo mismo. ¿Comenzó la nota donde yo quería? ¿Empezó más tarde? Concéntrese en la nota más clara posible que comience sin la lengua, pero sostenga las notas el mayor tiempo posible. No se permita descender a ese enfoque de hipo, respiración corta, fuego rápido, golpear su cabeza contra la pared en el que muchos de nosotros caemos cuando trabajamos en armónicos.

3) Una vez que te sientas bien con los comienzos de notas claras sin lengua, agrega tonos largos con crescendo y decrescendo extremos. Entonces, aún sin lengua, comience la nota desde la dinámica más tranquila posible y luego suavemente y durante el mayor tiempo posible, aumente el volumen. Por lo tanto, estará en su punto más alto cuando termine la nota (y cuando tenga menos aire). Luego inviértalo, así que comience la nota (nuevamente sin lengua) en su dinámica más fuerte posible y decrescendo lenta y suavemente durante la mayor cantidad de tiempo posible.

Esto ayudará con la imaginación tonal, la entonación, el apoyo de la respiración, la posición de la lengua y la vocalización, color de tono uniforme, dinámica control, etc. También te ayudará a tocar en el altissimo, pero piensa en las notas altas como un subproducto secundario menos importante del desarrollo de una conexión general más profunda con el saxofón.

ZS: ¿Qué rutina de práctica o ejercicio has desarrollado para mantener y mejorar tu habilidad musical actual, especialmente en lo que respecta al ritmo?

JE: Mi pensamiento sobre el ritmo parte de un par de suposiciones. Una es que el ritmo tiene un punto de vista; esto significa esencialmente que nos orientamos por el pulso o el peso y eso influye en cómo percibimos el ritmo que nos rodea. La forma más sencilla de demostrar esto es con la polirritmia básica de 2 contra 3. Aplaude 3 en tus manos por cada 2 que pisoteas con los pies. Luego cuente en voz alta hasta 3 una y otra vez en sincronía con sus manos. Sin cambiar sus aplausos o pisotones, cuente hasta 2 (o 4) en sincronía con sus pies. Avanza y retrocede del lado 2 al lado 3 sin cambiar lo que hacen tus manos o pies. Si puedes orientarte para experimentar el 2 desde el lado 3 y el 3 desde el lado 2, verás lo que quiero decir con el punto de vista. Esto se refiere a los polirritmos, pero también a simplemente tocar en 4: es una experiencia muy diferente orientarse a los tiempos fuertes (2 y 4) frente a medias notas, negras o notas enteras. A menudo, la notación puede llevarnos a una visión limitada de las opciones de pulso, mucho más limitada que si solo estuviéramos averiguando cosas de oído. Cuantas más opciones tenga con el pulso, más rítmicamente interactivo podrá ser con los músicos con los que toca. Otra suposición posiblemente obvia es que el ritmo es el más importante de los tres elementos de la música. Curiosamente, a menudo es el que recibe menos atención en la educación institucionalizada del jazz, al menos cuando estaba en la escuela. La mayoría de las veces se habla del ritmo en generalidades: estás apurado, estás arrastrando, lo estás pasando mal, lo estás pasando bien. O peor aún, como cualidades místicas innatas con las que naces y no puedes cambiar: “o lo tienes o no lo tienes”. En mi propia práctica, busco formas de trabajar el ritmo que impliquen hacer un seguimiento de ‘esto’ contra ‘aquello’, ya que los saxofonistas solo pueden tocar una nota a la vez y no tienen la sensación de tocar dos o tres notas rítmicas simultáneas. partes interactivas. Hago muchos ejercicios de manos y pies además de cantar (o tocar), a menudo enfocados en aislar trillizos contra patrones de campana y cosas por el estilo. Busco problemas rítmicos que tengan claras soluciones correctas e incorrectas, que se parezcan más a los malabares o al baile. Luego practico melodías que incorporan las cosas rítmicas en las que estoy trabajando, donde puedo tocar cualquier tono que quiera, pero tengo que tocar ritmos específicos y hacer un seguimiento de la forma. Esto puede comenzar a separar su relación con una canción del vocabulario que ha memorizado: el ritmo comienza a liderar en lugar de los tonos, y es muy liberador. Si alguien quiere escuchar más detalles sobre esto, no dude en comunicarse conmigo directamente.

ZS: Muchos aspirantes a músicos siempre buscan consejos cuando navegan por el negocio de la música. ¿Hay algún consejo que pueda ofrecer a los aspirantes a estudiantes o incluso a sus compañeros que crea que los ayudará a tener éxito y mantenerse positivos en este negocio?

JE: Sinceramente, odio el negocio de la música. Pero me encanta la música. Mi sugerencia es que no pienses en la vida en la música como un negocio. Creo que tienes que ser inteligente, tienes que ser estratégico, tienes que asegurarte de que no se aprovechen de ti, tienes que buscar alguna manera de sostenerte (y estos son problemas reales y difíciles) pero no No quiero dejar que la búsqueda del dinero y el pensamiento empresarial lo dominen. Destruirá tu arte. Me atraía esta vida porque la sentía más como un llamado y una oportunidad de ser un aprendiz de por vida. Cada vez que tengo alguna decepción lo primero que me pregunto es cómo puedo mejorar, cómo puedo mejorar. Si puede mantener su amor infantil por la música en medio del caos y la injusticia general del cambiante negocio de la música, tendrá relaciones musicales profundas y duraderas y encontrará a otros que son creativos y buscan la belleza sin descanso. El colapso de la música grabada como una fuente potencial de ingresos definitivamente ha desbaratado todas nuestras vidas, pero aún más que nunca deberíamos esforzarnos por hacer exactamente la música que queremos hacer. La triste verdad es que los discos que estamos haciendo probablemente no se venderán sin importar lo que sean, así que asegurémonos de que sean lo más honestos y atemporales posible, que podamos mirar hacia atrás en 200 años y decir: “ ese es el mejor y más honesto trabajo que pudimos haber hecho en ese momento”.

ZS: ¿A quién te encuentras escuchando estos días?

JE: Muchos, aquí hay algunos que se me ocurren: Kenny Dorham «Quiet Kenny» «Jerome Kern Showboat», Anderson .Paak «Malibu», Jimmy Giuffre, «New York Concerts», James Booker «Junco Partner» Albert Ayler «Llora de amor» Eddie Harris, «El sonido»

ZS: ¿Cuál es la próxima frontera musical para ti?

EJ: Buena pregunta. Todavía me gano la vida principalmente tocando y grabando con otras personas, pero me encanta hacer mis propios discos, y siempre trato de actuar más como líder. 2016 marca mis 20el año grabando mis propios discos, y acabo de grabar mis 10el récord como líder a finales de marzo. Esta es una pieza llamada «La sirena de hielo», y la escribí allá por 2009. Una comisión de The Jazz Gallery, fue creada en colaboración con el dramaturgo Andy Bragen, y es una obra narrativa de una hora de duración con un cuarteto de cuerdas, tuba, percusión, guitarra, vibráfono y dos vocalistas. Comencé mi propio sello discográfico en 2014 llamado Parade Light Records, y este será mi tercer lanzamiento en ese sello. Mi lanzamiento más reciente, «Charm», salió en septiembre pasado y presenta a mi grupo orientado a Nueva Orleans llamado Double-Wide. También estaré de gira por Japón con un trío con Kendrick Scott y Yasushi Nakamura en junio. Como acompañante, toco con bastante frecuencia en las bandas de Kendrick Scott, Helen Sung, Dr. Lonnie Smith, Darcy James Argue, Alan Ferber y muchos otros.

ZS: ¿Cuál es tu configuración actual?

JE:

Configuración

Saxofón

Soprano: Yamaha 675

Alto: N/D

Tenor: Selmer Mark VI 1963

Barítono: N/A

Cuello

Latón secoya KB

Boquilla

Soprano: Aizen SO 7

Alto: N/A

Tenor: viejo Morgan 8L rediseñado por Adam Niewood

Barítono: N/A

Junco

Soprano: Marca 3

Alto: N/A

Tenor: Rigotti 3.5 medio

Barítono: N/A

Ligadura

Soprano: Abrazadera de latón puro Francois Louis

Alto: N/D

Tenor: Ligadura Abelet Bubinga

Barítono: N/A

Caso

Dotación de casos personalizados

Tienda de reparacion

KB Saxophone Services y JL Woodwind Repair

Enlaces

Juan Ellis YouTube

http://youtu.be/QjVjNNwUSF4

Sitio web de John Ellis

http://www.johnaxsonellis.com/

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