Christoph Irniger sobre la grabación de un álbum durante Covid, muda y más » Best. Saxofón. Sitio web. Alguna vez.

Christoph Irniger sobre la grabacion de un album durante Covid

Breve biografía

  • Christoph Irniger, nacido en 1979, es un saxofonista, compositor y director de orquesta suizo.
  • De 2000 a 2006, Irniger estudió educación musical en la Escuela de Jazz de Zúrich y actuación en la Escuela de Música de Lucerna con Christoph Grab y Nat Su.
  • En los años siguientes, Christoph se quedó regularmente en Nueva York y Berlín y tomó lecciones de Dave Liebman, Mark Turner y Ari Hoenig.
  • Christoph ganó el premio de desarrollo de la Fundación Friedel Wald en 2004, recibió el Borsa di Studio para la Universidad de jazz de Siena en 2006 y logró el tercer lugar en el Premio de jazz ZKB 2010 con los Cowboys from Hell. Entre 2015 y 2017, su banda Pilgrim recibió un acto de alta prioridad de Pro Helvetia – Swiss Arts Council.
  • Christoph ha tocado con Nasheet Waits, Dave Douglas, Ohad Talmor, Dan Weiss, Nils Wogram, Claudio Puntin, Stefan Rusconi, Chris Wiesendanger y Vera Kappeler, por nombrar algunos. Fue miembro de la Orquesta de Jazz de Lucerna durante siete años y se le puede escuchar en cuatro de sus grabaciones. También fue co-líder de la banda de rock progresivo Cowboys from Hell.
  • Irniger se ha hecho un nombre en una variedad de formaciones, tocando jazz, rock y estilos musicales relacionados. Como músico de una generación a la que le gusta trabajar en múltiples proyectos en estilos eclécticos, lidera una gama de conjuntos, todos distintos y musicalmente sorprendentes.
  • Irniger es líder de la banda Pilgrim (con Dave Gisler, Stefan Aeby, Raffaele Bossard y Michael Stulz) y del Christoph Irniger Trio (con Raffaele Bossard y Ziv Ravitz),
  • El trabajo de Christoph ha sido documentado en más de veinte álbumes hasta la fecha, ocho bajo su propio nombre, la mayoría en Intakt Records. Ha tocado en conciertos y giras por Europa, Asia y Estados Unidos.

Entrevista

ZS: ¿Qué o quién te interesó en tocar música y en particular el saxofón?

CI: Empecé a tocar el saxofón a los 10 años. No me atraía el saxofón en particular y no sé si fui yo o mis padres quienes tuvieron la idea. Recuerdo que mi vecino estaba tocando el saxofón y me atrajo su aspecto. Así que esto fue tal vez! Empecé a estudiar saxofón en el pueblo donde crecí con el profesor local. Fue una educación clásica francesa bastante directa con los libros de Jean-Marie Londeix y Marcel Mule al principio y no estaba cuestionando nada.

Más tarde, cuando cambié a tenor, mi maestro me presentó material básico de jazz, pero en ese momento no había ningún enfoque en la improvisación. A la edad de 15 años, me pidieron que fuera alumno de una lección introductoria para un nuevo profesor de saxofón. Este chico era un gato joven, que acababa de empezar a estudiar música en la universidad y me voló la cabeza con «Watermelon Man» (de Herbie Hancock), mostrándome cómo improvisar sobre ella usando la escala de blues.

Decidí cambiarme a este profesor y comencé a estudiar jazz. En ese momento, pude tocar con mi primera banda y me sumergí en el mundo del funk, inspirado principalmente por Maceo Parker, Tower of Power y Mandrill, por nombrar algunos.

Empecé a buscar saxofonistas que tenían raíces estilísticas en ambos mundos, como Michael Brecker, Bob Berg, Joe Farrell, etc. El amor por el jazz “clásico” surgió, según recuerdo, después de leer una revista sobre la historia del tenor. saxofón.

En esta revista, había recomendaciones de grabación para ver cuál compré más y me enamoré. Después de terminar la escuela secundaria, trabajé un poco, viajé y luego apliqué para estudiar jazz en la universidad, lo que por suerte funcionó. Mirando hacia atrás, se siente bastante orgánico y no hubo un evento especial que me hizo decidir dedicarme a la música.

ZS: A medida que progresaste como saxofonista, ¿cuáles fueron algunas de las lecciones clave a las que siempre regresas? ¿Qué te encuentras practicando estos días?

CI: Mi rutina de práctica estuvo muy bien organizada durante mucho tiempo y llevaba un registro de todo lo que practicaba. Aunque mi práctica no está tan organizada como antes, se convirtió en un elemento clave en mi aprendizaje el llevar siempre un cuaderno conmigo para recopilar ideas, como un cazador y un recolector.

Siempre fue muy importante para mí convertirme en un buen artesano por un lado, pero también desarrollar un lenguaje distinto y una visión artística. Tomar decisiones artísticas sobre las cosas que practico, como canciones, patrones, etcétera, se volvió cada vez más importante con el tiempo y así la experiencia adquirió un toque personal, se sintió más profunda y fue más agradable.

Hoy en día, sobre todo empiezo dando vueltas, luego me escucho a mí mismo y me doy cuenta de lo que me gusta o no me gusta. Trato de desarrollar ideas que me gustan analizándolas, transcribiéndolas, transponiéndolas, componiendo y finalmente añadiéndolas a mi vocabulario.

Mantener un registro y escribir ideas ayuda a mantener el proceso de práctica también más conectado con mis otros roles de compositor y director de orquesta y también a desarrollar estos campos. Fuera del proceso de práctica en sí, diría que la sensación de pulso/tiempo es un tema muy importante para mí. No se trata solo de hacer las cosas rítmicas más modernas, sino también de asumir la responsabilidad del pulso. Especialmente como saxofonista, a veces solo confías en la sección rítmica y piensas demasiado en tus líneas. Quiero poder contribuir al tiempo yo solo porque de lo contrario, la sección rítmica se aburre y te empieza a perder. Si les demuestras que tienes un pulso fuerte, se abren y pueden ser más interactivos.

Básicamente, hay dos cosas que fueron y son muy importantes para mí al hablar sobre el pulso. Primero, cuando estaba estudiando con Nat Su, básicamente tocamos a dúo en estándares con o sin metrónomo durante dos años. En lo que me dijo que me concentrara era en «Guardar el formulario, joder la línea». Así que incluso si tocas la línea más interesante de tu vida, si vas a jugar con el tiempo, debes dejar tu línea y asumir la responsabilidad del tiempo, porque de eso se trata si tocas jazz directo. Sigue siendo el ejercicio más importante para mí. Además, si piensas en otras situaciones musicales, si tocas directamente, abierto, libre o lo que sea, siempre hay algo con lo que contribuir y responsabilizarte con tu papel en una banda o situación.

Otra lección clave que aprendí fue cuando estaba estudiando con Ari Hoenig, donde estábamos trabajando en un concepto que hizo con Johannes Weidenmüller. Tocábamos y aplaudíamos ejercicios usando polirritmias con el objetivo de escuchar y sentir las subdivisiones y desarrollar una sensación sólida de tiempo y forma.

La lección final que aprendí fue que no solo debo practicar mi trompeta para hacer crecer mi música, sino también escuchar mucha música, escribir composiciones, tocar sesiones, intercambiar ideas, tocar otros instrumentos como batería, piano, clarinete y flauta. , y pensar en la vida y sus sentimientos y en cómo transformarlos en sonido. Es la actitud de estar abierto a todas las otras cosas alrededor.

Y por supuesto, ¡ejercicios de armónicos! Después de comprar el libro de Liebman en mis primeros días en la universidad, creé la mayoría de los ejercicios por mí mismo.

Recientemente compré el nuevo libro de Ben Wendel “Camino a Altissimo” que realmente me gusta. Es una muy buena colección de ejercicios y estudios con una estructura muy lógica y coherente. Hay mucho material que puedes reproducir tal como está escrito o como inspiración para crear tu propia versión y asimilar en tu propio idioma.

ZS: Entiendo que lanzaste tu álbum más reciente durante Covid. ¿Cómo fue grabar un álbum durante esta pandemia y algún consejo para los jugadores que buscan grabar sus álbumes durante estos tiempos?

CI: grabamos ciudad abierta justo antes del confinamiento. Como podía confiar totalmente en la mezcla de Ziv Ravitz, incluso pudimos hacer toda la postproducción sin reunirnos en persona. El lanzamiento y los primeros tres conciertos fueron parejos en ese momento donde todo estaba abierto.

Después de eso, todo volvió a cerrarse y debido a las restricciones de viaje, nunca tuvimos la oportunidad de tener a Loren Stillman con nosotros, lo cual es muy triste. Sin embargo, creo que era importante que todos nosotros hiciéramos al menos algo, aunque no fuera como estaba previsto.

Todo el año, o más, fue así. La mayoría de los músicos tuvieron que cambiar sus planes varias veces y para mí ayudó a superar eso intentando seguir reinventándome todo el tiempo. Incluso si no funcionaba, tenía algo en marcha todo el tiempo. Hubo este lanzamiento, compuse mucho, como un programa completo de big band, que nunca hubiera hecho sin esta situación especial, practiqué mucho, mientras que otros se sumergieron en la música de cine o mezclaron y grabaron. Así que mi consejo es que sigas reinventándote, no dejes de trabajar, y si tienes música para grabar ¡hazlo! Nadie sabe lo que trae el futuro en este momento y una vez que las cosas se abren, quieres estar listo.

ZS: ¿Cómo conociste a Loren Stillman y qué te gusta de su forma de tocar y su forma de ¿música?

CI: Conocí a Loren un par de veces cuando estaba jugando, pero eso fue más una pequeña charla. Siempre estaba en mi mente cuando pensaba en un nuevo color para mi trío. Cuando escuché que se mudaría a Colonia, lo contacté de inmediato y nos encontramos en Zúrich para ensayar durante dos días. Después de eso, tocamos un par de conciertos e hicimos el disco a principios de 2020.

Por supuesto que es un gran saxofonista. Pero especialmente admiro la forma en que es capaz de llevar su idea al oyente ya los otros músicos. Tiene una expresión musical muy fuerte y para mí todas sus líneas son declaraciones. ¡Todo está articulado con precisión hasta el final y tiene sentido tanto en lo pequeño como en lo grande!

ZS: ¿Cuáles son algunos de los principales cambios que has visto en los últimos años dentro de la industria de la música y hacia dónde crees que se dirige la industria de la música? ¿Será más fácil o más desafiante para el aspirante a músico?

CI: Definitivamente se ha vuelto más desafiante y todavía lo hace, ¡por supuesto, también debido al coronavirus! Los principales cambios antes de eso fueron, en primer lugar, por supuesto, en términos de cómo la gente consume música y la evolución de la compra a la transmisión y, en segundo lugar, la comercialización de locales de jazz, estaciones de radio, periódicos y revistas en los últimos años y cada vez menos atención, menos dinero, menos espacio para el jazz.

No quiero quejarme, porque todavía hay mucho por hacer y hay una comunidad muy entusiasta en todo el mundo. Supongo que se ha vuelto más difícil para los músicos más jóvenes y, por supuesto, ser «solo» un buen músico no es suficiente: también tienes que ser capaz de lidiar con asuntos comerciales para ser reconocido.

ZS: Si no hubieras decidido dedicarte a la música, ¿qué habrías elegido como carrera?

CI: Habría estudiado geología, ciencias ambientales o psicología.

ZS: ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

CI: Después de casi un año, estoy encantada de volver a estar en el escenario de forma regular. Después de un par de conciertos locales, estoy muy emocionado de finalmente poder presentar mi disco actual con el trío formado por Raffaele Bossard y ziv ravitz con el invitado Michael Attias en Suiza y EE. UU. del 17 al 25 de septiembre. La gira continuará en noviembre y diciembre en Alemania, Bélgica, los Países Bajos y el Reino Unido con Ben van Geldercon la esperanza de que no haya errores divertidos u otras sorpresas, incluida la variante delta, hasta entonces.

Tengo muchas ganas de volver a tocar mi bocina. Pero también me siento realmente bendecida y agradecida por el apoyo durante el último año. Pude mantenerme ocupado durante este tiempo escribiendo principalmente para el Orquesta de Jazz de Suiza. Mis arreglos de la música de mi otra banda, Pilgrim, se presentarán a mediados de noviembre en Berna, Chur y Zúrich, y será una aventura totalmente nueva y emocionante.

Por último, pero no menos importante, daré clases en Zúrich y trabajaré con la gran banda de Musikschule Konservatorium Zúrich MKZ donde tendremos algunas lindas aventuras también.

Las fechas de Estados Unidos son:

  • 20/09 Nueva serie Ghosts @ Bop Stop, Cleveland OH (EE. UU.)
  • 21/09 Shapeshifter Lab, Nueva York NY (EE. UU.)
  • 22/09 Elysium Furnace Works, Beacon NY (EE. UU.)
  • 23/09 Bob Shop, Rochester NY (EE. UU.)
  • 09/24 Jazz Shares @ Shea Theatre, Turner Falls MA (EE. UU.)

ZS: ¿Cuáles son sus pensamientos sobre la importancia del equipo? ¿Te encuentras cambiando mucho o te quedas con el mismo equipo?

CI: Me he quedado con el mismo equipo durante los últimos 15 años. Probé algunos cuernos y cañas alternativas, pero al final me quedé con lo que toqué. En general, no soy muy paciente al revisar el equipo nuevo. Prefiero usar mi tiempo para practicar y componer.

Tuve que cambiar mi boquilla (una Jody jazz 7*) hace dos años porque estaba rota. Fue un poco una aventura y un cambio bastante distintivo a un Otto Link Slant Signature renovado con una apertura de punta mucho más ancha y cañas más suaves. El sonido tiene un poco más de matices ahora, todavía potente pero centrado, pero con más alcance en términos de articulación. El altissimo es un poco más difícil de manejar, ¡pero los ejercicios de armónicos ayudan mucho!

Equipo

Saxofones:

  • Tenor: Selmer Acción equilibrada
  • Soprano: Selmer Mark VI

Ligaduras:

  • Tenor: Vintage Selmer 2 tornillos.
  • Soprano: ligadura Otto Link 2 tornillos

Cañas:

Boquillas:

  • Tenor: Otto Link Slant Signature (10). Esta boquilla fue rediseñada por Donat Fisch (Interlaken CH) y afinada acústicamente por Anja Klara Kraft (Berlin DE)
  • Soprano: Otto Link Tone Edge (7*)

Sitio web:

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